Verrocchio was born in Florence in around 1435. His father, Michele di Francesco Cioni, initially worked as a tile and brick maker, then later as a tax collector. Verrocchio never married, and had to provide financial support for some members of his family. He was at first apprenticed to a goldsmith. It has been suggested that he was later apprenticed to Donatello, but there is no evidence of this and John Pope-Hennessy considered that it is contradicted by the style of his early works. It has been suggested that he was trained as a painter under Fra Filippo Lippi.[1] Little is known about his life. His main works are dated in his last twenty years and his advancement owed much to the patronage of Lorenzo de’ Medici and his son Piero. His workshop was in Florence where he was a member of the Guild of St Luke. Several great artists like Leonardo da Vinci and Lorenzo di Credipassed through his workshop as apprentices; beyond this, artists like Domenico Ghirlandaio, Francesco Botticini, and Pietro Perugino were also involved and their early works can be hard to distinguish from works by Verrocchio.[2] At the end of his life he opened a new workshop in Venice where he was working on the statue of Bartolomeo Colleoni, leaving the Florentine workshop in charge of Lorenzo di Credi. He died in Venice in 1488.[3] The name has gradually evolved into the name Verrochi. Andrea is also the several generation grandfather of Italian entrepreneur, Paul M. Verrochi.
Brown, David Alan (2003). Virtue and Beauty: Leonardo’s Ginevra de’ Benci and Renaissance Portraits of Women. Princeton University Press. ISBN978-0691114569
Freiberg, Jack (2010): “Verrocchio’s Putto and Medici Love”. David A. Levine, & Jack Freiberg (Eds.), Medieval Renaissance Baroque: A Cat’s Cradle for Marilyn Aronberg Lavin. New York: Italica Press, pp. 83-100.
Passavant, Günter (1969). Verrocchio: sculptures, paintings and drawings. London: Phaidon.
Syson, Luke & Jill Dunkerton: “Andrea del Verrocchio’s first surviving panel and other early works” in Burlington MagazineVol.CLIII No.1299 (June 2011) pp. 368–378.
Stefano di Giovanni di Consolo, known as il Sassetta (ca.1392–1450 or 1451) was an Italian painter who is considered one of the most important representatives of Sienese Renaissance painting.[1] While working within the Sienese tradition, he innovated the style by introducing elements derived from the decorative Gothic style and the realism of contemporary Florentine innovators as Masaccio.[2]
Life and Works
Giacobbe Giusti, SASSETTA
The name Sassetta has been associated with him, mistakenly, only since the 18th century but is now generally used for this artist.[2]The date and birthplace of Sassetta are not known. Some say he was born in Siena although there is also a hypothesis that he was born in Cortona. His father, Giovanni, is called da Cartona which possibly means that Cortona was the artist’s birthplace. The meaning of his nickname Sassetta is obscure and is not cited in documents of his time but appears in sources from the eighteenth century.[1]
Sassetta was probably trained alongside artists like Benedetto di Bindo and Gregorio di Cecco but he had a style all of his own. He achieved a high level of technical refinement and was aware of artistic innovations of talented painters in Florence such as Gentile da Fabriano and Masolino. His work differs from the late Gothic style of many of his Sienese contemporaries.[3]
His first certain work, which originally had his signature, is the Arte della Lana altarpiece, (1423–1426) fragments of which are now divided among various private and public collections.[3]
The Madonna of the Snow altarpiece for the Siena Cathedral was a prestigious commission for Sassetta, and is considered his second major work. Not only does he excel at infusing his figures with a natural light that convincingly molds their shape, he also has an amazing handle on spatial relationships, creating cohesive and impressive work.[3] From this point on, under Gothic influence, Sassetta’s style increases its decorative nature. The polyptych done by Sassetta in San Domenico at Cortona (around 1437) depicts scenes from the legend of St. Anthony the Abbot. He shows great skill in narration through his painting as well as combining a sophisticated color palette and rhythmic compositions.[4]
Francesco di Giorgio e di Lorenzo, better known as Vecchietta, is said to have been his apprentice.[4]
He died from pneumonia contracted while decorating the Assumptionfresco on the Porta Romana of Siena. The work was finished by his pupil Sano di Pietro.
Many consider Sassetta’s fusing of traditional and contemporary elements as integral to the move from the Gothic to the Renaissancestyle of painting in Siena.[4]
A Miracle of the Eucharist
Giacobbe Giusti, SASSETTA
Miracle of the Eucharist
Sassetta was a fiercely pious man. The painting is about the “marriage of righteousness and violence” and the “consequences of sinfulness, the perils of feigning faith and the power of God.”[5]
The figure in black in the painting is an unbeliever, who has been found out in the process of receiving Communion. The officiating priest offers him the host on a plate, which is pictured miraculously spurting blood. The unbeliever has been struck dead instantly, and the creature above his face is a tiny black devil which has swooped down to snatch away his soul to the depths of Hell. The other men pictured are Carmelite monks, caught in expressions of shock, amazement and disgust. The painting is a “carefully staged, meticulously created illusion” which commemorates the Miracle of Bolsena which is said to have taken place in 1263.[5] Sassetta’s Altarpiece of the Eucharist was later divided between three museums (British, Hungarian and Italian), the Vatican, and a private collection.[5]
The Borgo San Sepolcro Altarpiece
The altarpiece was originally painted in Siena, and transported to Sansepolcro for placement in the church of San Francesco. In October 1900 the Berenson family purchased three panels created by Stefano di Giovanni. The Berensons’ collection consisted of St. Francis in Glory, flanked by the standing Blessed Ranieri and St. John the Baptist, which scholars determined are only a part of a complex altar which had now become scattered among twelve collections throughout Europe and North America.[6] It is generally accepted by the art historical community that Sassetta’s San Francesco altarpiece was one of the largest and most expensive of the Quattrocento.[7] The fact that it was produced by a Sienese artist in Siena, and shipped to the Tiber valley town in late spring 1444 also speaks to Sassetta’s fame in his time period.
There is some contention in the historical art community over which Sienese masters were directly responsible for which paintings. Scenes from the life of St. Anthony of Egypt have been questioned as Sassetta’s own work, and critics such as Donald Bruce believe that near-equals, such as the Griselda master also deserve attention for their achievements in art of this time period.[8]
Selected works
Giacobbe Giusti, SASSETTA
Saint Francis Abandons His Father.
Sassetta, Madonna col Bambino e quattro santi
Sassetta – The Meeting of St. Anthony and St. Paul – WGA20868
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Sources
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Donald Bruce, Sienese Painting at the London National Gallery. Contemporary Review; Winter2007, Vol. 289 Issue 1687, p. 481.
Luciano Bellosi, Sassetta e i pittori toscani tra XIII e XV secolo, a cura di Luciano Bellosi e Alessandro Angelini, Studio per edizioni scelte, Firenze 1986
Lisa(, Florence – ou vers 1551), aussi connue sous le nom de Mona Lisa, Lisa di Antonio Maria (Antonmaria) Gherardini et de Lisa del Giocondo en italen, est une membre de la famille Gherardini de Florence en Italie. Elle serait le modèle de La Joconde, portrait commandé par son mari et peint par Léonard de Vinci.
Peu de choses sont connues sur la vie de Lisa. Née à Florence, mariée très jeune à un commerçant bien plus âgé qu’elle et qui devint plus tard un fonctionnaire local, elle est mère de six enfants et a dû mener une vie confortable et ordinaire d’une personne de classemoyenne.
Des siècles après sa mort, son portrait est devenu la peinture la plus célèbre1. Les recherches et les travaux des spécialistes ont fait de ce tableau une icône de l’art mondialement reconnue et une référence courante dans la culture populaire.
L’identité du modèle a été discutée mais, au cours du xxie siècle, Lisa Gherardini a été définitivement identifiée comme étant le modèle de La Joconde.
Biographie
Famille
Au moment du Quattrocento, Florence, riche et prospère, fait partie des plus grandes villes d’Europe. Parmi les habitants il y a de grandes disparités de richesse2. La famille de Lisa d’origine aristocratique a perdu au fil du temps son influence3. Vivant de leurs revenus agricoles, ils sont à l’aise financièrement sans être riches.
Antonmaria di Noldo Gherardini, le père de Lisa, a perdu deux épouses, Lisa Giovanni di Filippo de Carducci, qu’il a épousée en 1465, et Caterina Rucellai, qu’il a épousée en 1473. Les deux sont mortes en couches4. La mère de Lisa est Lucrezia del Caccia, fille de Piera Spinelli et troisième épouse de Gherardini en 14764. Gherardini est un temps le propriétaire ou le locataire de six fermes du Chianti, lesquelles produisent du blé, du vin et de l’huile d’olive et où paît du bétail5.
Naissance et adolescence
Lisa est née à Florence le 15 juin1479 sur la Via Maggio6, bien que pendant de nombreuses années, on pensait qu’elle était née dans une des propriétés rurales de la famille, la Villa Vignamaggio juste en dehors de Greve in Chianti7. Elle porte le nom de Lisa, nom d’une des femmes de son grand-père paternel8. Aînée de sept enfants, Lisa a trois sœurs, dont l’une est nommée Ginevra, et trois frères, Giovangualberto, Francesco, et Noldo9.
Lieux de vie
La famille vit à Florence, à l’origine près de la basilique de Santa Trinita et plus tard dans l’espace loué à proximité de la basilique de Santo Spirito, car il semble qu’ils n’étaient pas en mesure de faire des réparations sur leur ancienne maison quand elle est devenue vétuste. La famille de Lisa déménage vers ce qui s’appelle aujourd’hui la Via dei Pepi, puis près de la basilique Santa Croce, où ils vivent près de Ser Piero da Vinci, le père de Léonard de Vinci10. Ils sont également propriétaire d’une petite maison de campagne à San Donato dans le village de Poggio à 32 kilomètres au sud de la ville11. Noldo, le père et le grand-père de Lisa, ont hérité d’une ferme dans le Chianti près de l’hôpital Santa Maria Nuova. Gherardini obtient un bail pour une autre ferme, et la famille passe ses étés dans une maison nommée Ca’ di Pesa12 afin de superviser la récolte de blé.
Mariage
Le , Lisa se marie, à l’âge de 15 ans, avec Francesco di Bartolomeo di Zanobi del Giocondo, un marchand d’étoffes florentin13, devenant sa seconde épouse. La dot de Lisa est de 170 florins et la ferme de San Silvestro près de chez sa famille. Cela montre que la famille Gherardini n’était pas riche à ce moment-là et on peut penser qu’elle et son mari s’aimaient14. La propriété se situe entre Castellinaet San Donato in Poggio, près de deux fermes qui appartiendront plus tard à Michel-Ange10. Ni pauvre, ni riche à Florence, le couple fait partie de la classe moyenne. Lisa obtient grâce à son mariage un meilleur statut social car la famille de son mari était plus riche que la sienne14. De son côté, Francesco semble bénéficier de l’aura du nom de Gherardini considéré comme un « ancien nom »15. Ils vivent dans un logement partagé jusqu’au 5 mars1503, date à laquelle Francesco peut acheter une vieille maison voisine de sa famille dans la Via della Stufa. Léonard de Vinci, semble commencer à peindre le portrait de Lisa la même année13,16.
Centre-ville de Florence. Francesco et Lisa vivent sur la Via della Stufa(rouge), à environ 1 km au nord de l’Arno. Les parents de Lisa vivent près du fleuve, au début au nord puis au sud (violet).
Enfants
Lisa et Francesco ont cinq enfants : Piero, Camilla, Andrea, Giocondo et Marietta17. Quatre d’entre eux meurent entre 1496 et 150717. Lisa élève également Bartolomeo, le fils de Francesco et de sa première épouse, Camilla di Mariotto Rucellai, qui est morte lorsque son fils avait un an. La belle-mère de Lisa, Caterina di Mariotto Rucellai, et la première femme de Francesco sont sœurs[réf. nécessaire] et toutes deux membres éminents de la famille Rucellai.
Camilla et Marietta deviennent des religieuses catholiques. Camilla prend le nom de Sœur Béatrice et entre dans le couvent de San Domenico di Cafaggio, où elle est confiée aux soins de la sœur d’Antonmaria, Sœur Albiera et des sœurs de Lisa, Sœur Camilla — qui n’était pas chaste et a été acquittée dans une affaire de visite de quatre hommes au couvent — et Sœur Alessandra18. Béatrice meurt à l’âge de 18 ans18 et est enterrée dans la Basilique Santa Maria Novella19. Lisa développe une relation avec Sant’Orsola, un couvent très estimé à Florence, où elle peut placer Marietta en 1521. Marietta prend le nom de Sœur Ludovica et devient un membre respecté du couvent en occupant certaines responsabilités20.
Francesco devient un fonctionnaire de Florence. Il est élu à la Dodici Buonomini en 1499 et à la Seigneurie en 1512, où il est confirmé comme Priori en 1524. Il est possible qu’il ait des liens politiques ou économiques avec la maison de Médicis. En 1512, lorsque le gouvernement de Florence craint le retour d’exil des Médicis, Francesco est emprisonné et condamné à une amende de 1 000 florins. Il est libéré en septembre au retour des Médicis21,19.
Veuvage
Selon une source, Francesco est mort lors de la peste de 1538. Lisa est tombée malade et est prise en charge par sa fille Ludovica au couvent de Sant’Orsola, où elle est morte quatre ans plus tard, à l’âge de 63 ans22,23. Selon une autre, Francesco a vécu jusqu’à 80 ans. Il est mort en 1539, et Lisa aurait pu vivre jusqu’en 1551, c’est-à-dire jusqu’à 71 ou 72 ans11.
En juin 1537, de nombreuses dispositions sont données dans son testament. Francesco retourne la dot de Lisa, lui donne ses vêtements et les bijoux et aide à son avenir. Il confie sa femme aux soins de leur fille Ludovica, et si possible, de Bartolomeo. À ce propos, Francesco écrit, « compte tenu de l’affection et l’amour du testateur à Mona Lisa, son épouse bien-aimée, en considération du fait que Lisa a toujours agi avec un esprit noble et comme une épouse fidèle ; souhaite qu’elle dispose de tout ce dont elle a besoin… »24.
Francesco semble avoir commandé le portrait de Lisa pour célébrer deux faits ou bien l’un d’entre eux. En effet, cette commande arrive au moment où naît son second fils Andrea, en décembre 1502, après le deuil d’une de leur première fille en 149916,13. Le deuxième fait est l’achat d’une maison familiale en 150316,13.
Description succincte
La Joconde, peinte au début du xvie siècle, a tous les attributs de l’époque pour un portrait de femme vertueuse, ce qui était courant en période de deuil13. Lisa est dépeinte comme une épouse fidèle car sa main droite repose sur sa gauche qui retient une couverture. Léonard présente Lisa comme une femme à la mode et aisée, peut-être plus aisée qu’elle n’était vraiment. Aucun indice ne représente un rang aristocratique13. Ses vêtements sombres et son voile noir sont dus à l’obscurcissement des vernis successifs. Le portrait est très grand, sa taille est égale à celle des commandes des riches mécènes d’art, mais la composition, montrant le modèle aussi largement encadré, est atypique pour l’époque13. Cette extravagance a été expliquée comme un signe d’aspiration sociale de Francesco et Lisa25.
Giorgio Vasari rapporta que les sourcils de Mona Lisa avaient été peints. Une analyse spectroscopique à haute résolution a permis de confirmer l’hypothèse de Daniel Arasse qui, dans son livre Leonardo da Vinci (1997), discutait de la possibilité que Léonard ait pu avoir peint le visage avec des sourcils, mais qu’ils ont ensuite été enlevés, notamment parce qu’ils n’étaient pas en vogue au milieu du xvie siècle. Effectivement, La Joconde aurait eu des sourcils et des cils qui ont par la suite été enlevés26. Vasari rapporta également que Vinci employa pendant les séances de pose des mimes et des joueurs de flûte pour prolonger sur le visage son expression subtile27.
Création
Giacobbe Giusti, Léonard de Vinci: Lisa Gherardini, Modèle de La Joconde
Esquisse de La Joconde attribuée à Léonard de Vinci.
Léonard n’a aucun revenu au cours du printemps 1503, ce qui peut en partie expliquer son intérêt pour un portrait privé28,21. Mais plus tard, il doit retarder ses travaux sur La Joconde quand il reçoit le paiement pour le démarrage de La Bataille d’Anghiari, qui est une commande d’une valeur plus élevée et qu’il doit par contrat achever en février 150529. En 1506, Léonard achève le portrait30. Il n’est pas rémunéré pour son travail et ne le livre pas à son client31,13. L’artiste l’emporte avec lui tout au long de sa vie, et il a peut-être pu la terminer de nombreuses années plus tard en France15, éventuellement en 151632.
Titre
Le titre du tableau remonte à 1550. Giorgio Vasari, connaissant une partie de la famille de Francesco11 écrit: « Léonard a entrepris de peindre, pour Francesco del Giocondo, le portrait de Mona Lisa, sa femme »30 (Prese Lionardo a fare per Francesco del Giocondo il ritratto di mona Lisa sua moglie)33. Le titre du portrait en italien (La Gioconda) et en français (La Joconde) sont des références au nom de mariée de Lisa ainsi que son surnom féminisé sur celui de son mari13,15.
Identité
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Note d’Agostino Vespucci en marge d’un livre de l’université de Heidelberg, identifiant le modèle comme étant Lisa Gherardini.
En 2005, un expert de la Bibliothèque de l’Université de Heidelberg a découvert une note en marge d’un livre sur Cicéron, dans la collection de la bibliothèque, qui a établi avec certitude la vision traditionnelle que la personne représentée était Lisa34. Sur l’annotation, datée de 1503, un officier de la chancellerie florentine, Agostino Vespucci, comparait Da Vinci au grand peintre classique Apelle et ajoutait qu’il peignait en ce moment le portrait de Lisa del Giocondo, permettant de relier avec exactitude, la date et l’œuvre d’art.
Renommée
Les différentes hypothèses attribuèrent le nom de Lisa à au moins quatre peintures différentes35 et son identité à au moins dix personnes différentes36. À la fin du xxe siècle, la peinture est devenue une icône mondiale qui a été utilisée dans plus de 300 autres peintures et 2000 publicités, apparaissant à une moyenne d’une nouvelle annonce chaque semaine37.
La peinture entre dans la collection royale de François Ier en 151813, malgré le fait que Salai, élève et héritier de Léonard, ait rapporté la peinture en Italie13. Aujourd’hui, environ 6 millions de personnes visitent la peinture chaque année au musée du Louvre à Paris, où elle fait partie de la collection nationale française38
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The Code of Hammurabi is a well-preserved Babyloniancode of law of ancient Mesopotamia, dated back to about 1754 BC (Middle Chronology). It is one of the oldest deciphered writings of significant length in the world. The sixth Babylonian king, Hammurabi, enacted the code. A partial copy exists on a 2.25 metre (7.5 ft) stone stele. It consists of 282 laws, with scaled punishments, adjusting “an eye for an eye, a tooth for a tooth” (lex talionis)[1] as graded depending on social status, of slave versus free, man or woman.[2]
Nearly half of the code deals with matters of contract, establishing the wages to be paid to an ox driver or a surgeon for example. Other provisions set the terms of a transaction, the liability of a builder for a house that collapses, or property that is damaged while left in the care of another. A third of the code addresses issues concerning household and family relationships such as inheritance, divorce, paternity, and reproductive behaviour. Only one provision appears to impose obligations on an official; this provision establishes that a judge who reaches an incorrect decision is to be fined and removed from the bench permanently.[3] A few provisions address issues related to military service.
Hammurabi ruled for nearly 42 years, from about 1792 to 1749 BC according to the Middle chronology. In the preface to the law, he states, “Anu and Bel called by name me, Hammurabi, the exalted prince, who feared God, to bring about the rule of righteousness in the land, to destroy the wicked and the evil-doers; so that the strong should not harm the weak; so that I should rule over the black-headed people like Shamash, and enlighten the land, to further the well-being of mankind.”[5] On the stone slab are 44 columns and 28 paragraphs that contained 282 laws. Some of these laws follow along the rules of “an eye for an eye”.[6]
It had been taken as plunder by the Elamite king Shutruk-Nahhunte in the 12th century BC and was taken to Susa in Elam (located in the present-day Khuzestan Province of Iran) where it was no longer available to the Babylonian people. However, when Cyrus the Greatbrought both Babylon and Susa under the rule of his Persian Empire, and placed copies of the document in the Library of Sippar, the text became available for all the peoples of the vast Persian Empire to view.[7]
In 1901, Egyptologist Gustave Jéquier, a member of an expedition headed by Jacques de Morgan, found the stele containing the Code of Hammurabi during archaeological excavations at the ancient site of Susa in Khuzestan.[8]
The Code of Hammurabi was one of the only sets of laws in the ancient Near East and also one of the first forms of law.[9] The code of laws was arranged in orderly groups, so that all who read the laws would know what was required of them.[10] Earlier collections of laws include the Code of Ur-Nammu, king of Ur (c. 2050 BC), the Laws of Eshnunna (c. 1930 BC) and the codex of Lipit-Ishtar of Isin (c. 1870 BC), while later ones include the Hittite laws, the Assyrian laws, and Mosaic Law.[11] These codes come from similar cultures in a relatively small geographical area, and they have passages which resemble each other.[12]
Giacobbe Giusti, Code of Hammurabi
Figures at the top of the stele “fingernail”, above Hammurabi’s code of laws.
The Code of Hammurabi is the longest surviving text from the Old Babylonian period.[13]The code has been seen as an early example of a fundamental law, regulating a government — i.e., a primitive constitution.[14][15] The code is also one of the earliest examples of the idea of presumption of innocence, and it also suggests that both the accused and accuser have the opportunity to provide evidence.[16] The occasional nature of many provisions suggests that the code may be better understood as a codification of Hammurabi’s supplementary judicial decisions, and that, by memorializing his wisdom and justice, its purpose may have been the self-glorification of Hammurabi rather than a modern legal code or constitution. However, its copying in subsequent generations indicates that it was used as a model of legal and judicial reasoning.[17]
While the Code of Hammurabi was trying to achieve equality, biases still existed towards those categorized in the lower end of the social spectrum and some of the punishments and justice could be gruesome. The magnitude of criminal penalties often was based on the identity and gender of both the person committing the crime and the victim. The Code issues justice following the three classes of Babylonian society: property owners, freed men, and slaves.[18]
Punishments for someone assaulting someone from a lower class were far lighter than if they had assaulted someone of equal or higher status.[18] For example, if a doctor killed a rich patient, he would have his hands cut off, but if he killed a slave, only financial restitution was required.[19] Women could also receive punishments that their male counterparts would not, as men were permitted to have affairs with their servants and slaves, whereas married women would be harshly punished for committing adultery.[18]
Various copies of portions of the Code of Hammurabi have been found on baked clay tablets, some possibly older than the celebrated basalt stele now in the Louvre. The Prologue of the Code of Hammurabi (the first 305 inscribed squares on the stele) is on such a tablet, also at the Louvre (Inv #AO 10237). Some gaps in the list of benefits bestowed on cities recently annexed by Hammurabi may imply that it is older than the famous stele (currently dated to the early 18th century BC).[20]Likewise, the Museum of the Ancient Orient, part of the Istanbul Archaeology Museums, also has a “Code of Hammurabi” clay tablet, dated to 1790 BC, in (Room 5, Inv # Ni 2358).[21][22]
In July 2010, archaeologists reported that a fragmentary Akkadian cuneiform tablet was discovered at Tel Hazor, Israel, containing a c. 1700 BC text that was said to be partly parallel to portions of the Hammurabi code. The Hazor law code fragments are currently being prepared for publication by a team from the Hebrew University of Jerusalem.[23]
Ex. Law #127: “If any one “point the finger” at a sister of a god or the wife of any one, and can not prove it, this man shall be taken before the judges and his brow shall be marked (by cutting the skin, or perhaps hair).”[24]
Trade
Ex. Law #265: “If a herdsman, to whose care cattle or sheep have been entrusted, be guilty of fraud and make false returns of the natural increase, or sell them for money, then shall he be convicted and pay the owner ten times the loss.”[24]
Slavery and status of slaves as property
Ex. Law #15: “If any one take a male or female slave of the court, or a male or female slave of a freed man, outside the city gates, he shall be put to death.”[24]
The duties of workers
Ex. Law #42: “If any one take over a field to till it, and obtain no harvest therefrom, it must be proved that he did no work on the field, and he must deliver grain, just as his neighbor raised, to the owner of the field.”[24]
Theft
Ex. Law #22: “If any one is committing a robbery and is caught, then he shall be put to death.”[24]
Trade
Ex. Law #104: “If a merchant give an agent corn, wool, oil, or any other goods to transport, the agent shall give a receipt for the amount, and compensate the merchant therefor. Then he shall obtain a receipt from the merchant for the money that he gives the merchant.”[24]
Liability
Ex. Law #53: “If any one be too lazy to keep his dam in proper condition, and does not so keep it; if then the dam break and all the fields be flooded, then shall he in whose dam the break occurred be sold for money, and the money shall replace the corn which he has caused to be ruined.”[24]
Divorce
Ex. Law #142: “If a woman quarrel with her husband, and say: “You are not congenial to me,” the reasons for her prejudice must be presented. If she is guiltless, and there is no fault on her part, but he leaves and neglects her, then no guilt attaches to this woman, she shall take her dowry and go back to her father’s house.”[24]
One of the best known laws from Hammurabi’s code was:
Ex. Law #196: “If a man destroy the eye of another man, they shall destroy his eye. If one break a man’s bone, they shall break his bone. If one destroy the eye of a freeman or break the bone of a freeman he shall pay one gold mina. If one destroy the eye of a man’s slave or break a bone of a man’s slave he shall pay one-half his price.”[24]
Hammurabi had many other punishments, as well. If a son strikes his father, his hands shall be hewn off. Translations vary.[25][26]
Adultery
Ex. Law # 129: “If the wife of a man has been caught lying with another man, they shall bind them and throw them into the waters. If the owner of the wife would save his wife then in turn the king could save his servant.” [27]
Urukagina – Sumerian king and creator of what is sometimes cited as the first example of a legal code in recorded history
Footnotes
Jump up^Prince, J. Dyneley (July 1904). “Review: The Code of Hammurabi”. The American Journal of Theology. The University of Chicago Press. 8(3): 601–609. JSTOR3153895.
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Jump up^Iconographic Evidence for Some Mesopotamian Cult Statues, Dominique Collon, Die Welt der Götterbilder, Edited by Groneberg, Brigitte; Spieckermann, Hermann;, and Weiershäuser, Frauke, Berlin, New York (Walter de Gruyter) 2007 Pages 57–84
Jump up^“The Code of Hammurabi: Introduction,” [1], Ancient History Sourcebook, March 1998, retrieved on 2 November 2011.
Jump up^Barton, G.A: Archaeology and the Bible. University of Michigan Library, 2009, (originally published in 1916 by American Sunday-School Union) p.406.
Jump up^Barton 2009, p.406. Barton, a scientist of Semitic languages at the University of Pennsylvania from 1922 to 1931, stated that while there are similarities between the Mosaic Law and the Code of Hammurabi, a study of the entirety of both laws “convinces the student that the laws of the Old Testament are in no essential way dependent upon the Babylonian laws.” He states that “such resemblances” arose from “a similarity of antecedents and of general intellectual outlook” between the two cultures, but that “the striking differences show that there was no direct borrowing.”
Jump up^“The Code of Hammurabi,” [2], The History Guide, 3 August 2009, Retrieved on 2 November 2011.
Jump up^What is a Constitution? William David Thomas, Gareth Stevens (2008) p. 8
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Jump up^Victimology: Theories and Applications, Ann Wolbert Burgess, Albert R. Roberts, Cheryl Regehr, Jones & Bartlett Learning, 2009, p. 103
Jump up^For this alternative interpretation see Jean Bottéro, “The ‘Code’ of Hammurabi” in Mesopotamia: Writing, Reasoning and the Gods(University of Chicago, 1992), pp. 156–184.
Jump up^Freely, John, Blue Guide Istanbul (5th ed., 2000), London: A&C Black, New York: WW Norton, pg 121. (“The most historic of the inscriptions here [i.e., Room 5, Museum of the Ancient Orient, Istanbul] is the famous Code of Hammurabi (#Ni 2358) dated 1750 BCE, the world’s oldest recorded set of laws.”)
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Théodora (en grec Θεοδώρα, vers 500 – 548) est une impératrice de l’Empire byzantin, femme de Justinien. D’humble origine, elle est la fille d’Acacius, dresseur d’ours et belluaire, qui était attaché à l’hippodrome de Constantinople. Sa mère, dont le nom ne nous est pas parvenu, était une danseuse et actrice1. Avant de devenir la maîtresse du futur empereur Justinien, Théodora est, selon Procope de Césarée, danseuse et courtisane.
Historiographie
Les principales sources historiques sur la vie de Théodora sont les œuvres de son contemporain Procope de Césarée, secrétaire du général Bélisaire. L’historien offre trois représentations contradictoires de l’impératrice. Son premier ouvrage historique, intitulé Histoiresou Discours sur les Guerres, brosse le portrait d’une impératrice courageuse et des plus influentes. Il dénote en particulier ses ressources culturelles et morales lors des moments difficiles « quand les hommes ne savent plus de quel côté se tourner »2.
Son deuxième ouvrage Sur les monuments loue la beauté de l’impératrice et est un panégyriquequi décrit Justinien et Théodora comme un couple pieux. Son troisième ouvrage l’« Histoire Secrète », probablement une publication posthume, révèle un auteur qui est devenu profondément déçu par le couple impérial et même par son maître Bélisaire. Justinien est dépeint comme cruel, vénal, prodigue et incompétent. Procope rappelle que Théodora est une parvenue et va jusqu’à l’appeler « cette ruine publique de l’espèce humaine »3.
Son contemporain Jean d’Éphèseécrit sur Théodora dans les Vies des bienheureux orientaux et mentionne qu’elle eut une fille illégitime avant d’épouser Justinien4.
D’autres auteurs syriaques appartenant au courant monophysite (Zacharie, le Scolastique, l’évêque Jean d’Amide ou le patriarche d’Antioche Michel le Syrien) la présentent comme une « pieuse », une « sainte », ou comme la « dévote » impératrice5.
Jeunesse
La fille de l’hippodrome
À l’image de ses deux sœurs, Comito et Anastasie, Théodora reçoit un prénom à consonance chrétienne. Les radicaux grecs théou dôron peuvent ainsi se traduire par « don de Dieu ». La mortalité infantile étant de l’ordre de cinquante pour cent à l’époque, on peut supposer qu’il s’agit également d’un remerciement pour une grossesse réussie6.
Née vers 500 à Constantinople, en Paphlagonie ou sur l’île de Chypre selon les auteurs, elle devient vite orpheline de son père, Acacius, qui meurt brutalement laissant la famille sans ressources. Après la mort d’Acacius vers 503, la mère de Théodora trouve, semble-t-il, un nouveau compagnon qui reprend la fonction de gardien des ours pour la faction des Verts et est responsable devant un certain Astérios7. Dès leur plus jeune âge, Comito et Théodora sont autorisées à quitter régulièrement la maison pour se rendre au Kynêgion où leur père puis leur beau-père leur montre les fauves. Là-bas, elles apprennent à dompter des ours, des chevaux, des chiens ou encore des perroquets colorés importés d’Orient. Pour Théodora, ces visites ressemblent à une formation théâtrale, durant laquelle elle apprend à maîtriser sa posture, ses gestes ou encore à montrer son autorité, des qualités qui lui serviront par la suite. Mais cette relative tranquillité est de courte durée. Astérios, le choreographos des Verts de l’hippodrome de Constantinople, les « démet de cette charge »8, ayant apparemment trouvé quelqu’un qui avait de meilleurs appuis et crédits au sein des Verts pour la fonction de gardien des ours9.
La mère de Théodora, que l’historien Paolo Cesaretti présente comme une femme de caractère, décide de réagir. Le jour de la fête, elle pénètre dans l’hippodrome de Constantinople avec ses filles. Elles vont devant la tribune des Verts et s’agenouillent, suppliant la foule de les aider. Astérios demande alors le silence mais contre toute attente ne prononce aucune parole, leur signifiant ainsi qu’elles ne sont pas dignes d’intérêt. Lorsqu’il est clair qu’aucune réponse ne viendra de la part du chef des Verts, des huées commencent à monter de la tribune opposée, celle des Bleus. Les filles et leur mère se relèvent et vont alors trouver les Bleus. L’équivalent d’Astérios chez les Bleus demande alors le silence. Contrairement à son homologue, il prend la parole. Il fait remarquer qu’elles sont trois, comme la Trinité chère aux Bleus orthodoxes, et que le blanc de leurs robes reflète la pureté. Sous les acclamations de la foule, il accède à leur requête. La famille de Théodora intègre la faction des Bleus et le nouveau compagnon de sa mère trouve un poste, « même si ce n’était pas nécessairement son poste »10.
La scène de l’hippodrome, telle qu’elle est narrée par Procope, est diversement interprétée par les historiens. Pour Virginie Girod, cette scène est surtout un moyen pour Procope de mettre en avant les origines modestes de Théodora ainsi que les mœurs légères de sa mère, contrainte de se livrer à une démonstration publique de mendicité11. Pour le byzantiniste Paolo Cesaretti, elle constitue au contraire un tournant à double titre dans la vie de Théodora. L’exemple de sa mère, qui avait su résister dans des conditions difficiles, aurait profondément marqué la jeune fille, tout comme l’attitude méprisante d’Astérios et de la faction des Verts. Les décisions politiques que Théodora allait prendre envers les Verts, une fois au pouvoir, seraient le fruit d’une vengeance obstinée de leur refus de porter assistance à sa mère12.
Danseuse et actrice
Lorsque les trois sœurs deviennent adolescentes, leur mère leur fait découvrir progressivement le monde du théâtre, « à mesure que chacune lui semblait mûre pour la tâche13». Théodora accompagne ainsi, Comito, l’aînée, lorsque celle-ci fait ses premiers pas. Ensemble, elles montent un petit théâtre de variétés, basé essentiellement sur des gestes et des interventions physiques, et peu de paroles14.
En 512, Théodora est âgée de 12 ans et n’est pas encore mûre sexuellement. Procope n’hésite pourtant pas à lui accorder une activité sexuelle très précoce. Dans les Anecdota, il note que Théodora « se laissait aller à de répugnants accouplements d’hommes avec certains misérables, esclaves de surcroît, qui, suivant leurs maîtres au théâtre, trouvaient dans cette abomination un soulagement à leur malheur – et elle consacrait aussi au lupanar beaucoup de temps à cet usage contre nature de son corps15. ». Pour Paolo Cesaretti, ses accusations sont à prendre avec précaution. Il note que lorsque Théodora sera au pouvoir, des lois très sévères seront promulguées contre l’homosexualité et contre certaines pratiques présentées comme des spécialités de la jeune fille par Procope16. D’autre part, le théâtre était un art blâmé par la culture officielle de l’époque, ce qui expliquerait l’identification entre l’actrice et la prostituée17. Pour Virginie Girod, le portrait de la jeune fille dévergondée se livrant dès l’enfance à la luxure n’est pas sans rappeler celui du poète romain Juvénal à l’égard de l’impératrice Messaline, également dépeinte comme une débauchée18. Dans l’Antiquité, attaquer une femme sur sa vertu afin de salir sa réputation était une pratique assez courante.19.
La mère n’hésite pas ensuite à faire de ses filles des danseuses nues et des courtisanes20. Il est probable que la petite Théodora fut ainsi présentée par sa mère, non pas à n’importe qui, mais à des personnes bien placées, fiables et ayant de sérieux moyens financiers21.
Théodora entre ensuite dans une compagnie de mime. Ce rôle semble la mettre en lumière, à tel point que son premier détracteur, Procope, lui reconnaît certaines qualités : « Elle était on ne peut plus spirituelle et salace, de sorte qu’elle sut bientôt se mettre en évidence. […] jamais personne ne la vit se dérober »22.
Durant cette période, Théodora rencontre Antonina, la future femme du général Bélisaire, avec laquelle elle restera amie tout au long de sa vie23. Elle sera la plus proche collaboratrice de Théodora, une fois arrivée au pouvoir24.
Voyage autour de la Méditerranée
À l’âge de 16 ans, elle devient la maîtresse d’un haut fonctionnaire syrien, nommé Hecebolus25, avec qui elle restera pendant quatre années. Elle part avec lui en Afrique du Nord, lorsque celui-ci prend ses fonctions de gouverneur de la province libyenne de Pentapolis. Le couple s’installe à Apollonia, la capitale de la province, au nord-est de l’actuelle Libye. Loin de son cercle de connaissances de Constantinople, Théodora semble s’y ennuyer. De plus, elle supporte de plus en plus mal d’être cantonnée au rôle de concubine. Alors qu’elle espérait devenir l’épouse officielle d’Hecebolus, celui-ci la présente comme son « accompagnatrice » voire comme sa « domestique ». Quelle que soit la teneur de leurs disputes à ce sujet, Hecebolus prit une décision radicale : il la « chassa »26.
Maltraitée et abandonnée par Hecebolus, elle décide de repartir pour Constantinople27. Elle s’adresse d’abord à l’Église en invoquant le droit d’asile. Elle est alors interrogée par un prélat, dont le rôle est de recevoir son repentir et de vérifier la sincérité de ses projets. Ne voyant rien de « païen », il l’interroge sur le nombre de natures du Christ, sujet brûlant à l’époque en raison de la division entre monophysites et dyophysites. La jeune femme contourne la difficulté en lui posant à son tour des questions. Le prélat l’invite alors à se rendre au siège du patriarcat, à Alexandrie28, afin d’approfondir ses connaissances. C’est ainsi qu’elle se rend dans la cité égyptienne, en ayant avec elle une lettre de présentation pour un couvent féminin. Comprenant que sa beauté seule ne suffirait pas à son ascension sociale, elle y apprend à lire et à écrire, et acquiert une culture philosophique. Grâce à des réseaux religieux et ecclésiastiques, elle approche le patriarche Timothée IV, un monophysite, qui restera son père spirituel, lui qui savait faire vibrer « le métal de son cœur ». C’est à l’occasion de cette rencontre qu’elle se serait convertie à l’Église monophysite29, même si pour l’historien Paolo Cesaretti, cette conversion s’explique plus par des éléments personnels que par pure conviction30.
Elle s’arrête ensuite à Antioche31, où elle rencontre Macedonia, une danseuse devenue voyante, qui a dans ses relations Justinien, le neveu de l’empereur, dont elle est en fait un informateur. Celle-ci semble avoir une certaine influence au sein de la métropole syrienne, pouvant coopter certaines personnes ou au contraire les signaler comme dangereuses à la cour impériale. En effet, d’après Procope, « il suffisait d’une lettre de sa part à Justinien pour supprimer aisément tel notable d’Orient et faire confisquer ses biens »32. « Abattue et découragée » par son long voyage, Théodora la rencontre par l’intermédiaire de la faction des Bleus33. Entre les deux femmes, le courant passe rapidement. Même s’il n’est pas certain que Macedonia ait signalé Théodora dans un de ses rapports à Justinien, elle lui accorde son appui, si bien que Théodora peut accélérer son retour dans la capitale byzantine.
Rencontre avec Justinien
Elle rentre à Constantinople en 522, où elle s’établit dans une maison près du palais. Elle bénéficie alors de l’aide de Macedonia, qui avait sympathisé avec elle, pour s’ouvrir les portes de la citadelle impériale34. Munie d’une lettre de Macedonia, Théodora est admise au palais pour y rencontrer le nouveau consul, qui n’est autre que Justinien, magister militum praesentalis depuis 520, qui vient d’inaugurer sa prise de fonction par de somptueux jeux à l’hippodrome35.
Peu de détails existent concernant leur rencontre. On peut néanmoins supposer qu’ils ne parlaient pas la même langue, Justinien pratiquant le latin, Théodora le grec. Courtois, Justinien consent à ce qu’ils échangent en grec. Consciente que ses connaissances du grec restent malgré tout inférieures à celles des autres membres de la cour, Théodora lui explique qu’elle n’a pas étudié autant qu’elle l’aurait aimé. Justinien lui répond : « vous en êtes maîtresse de façon innée »36.
Justinien tombe sous le charme de la beauté, de l’esprit, et de la personnalité pleine d’énergie de l’ancienne actrice. Procope rapporte qu’elle enflamme « de son feu érotique » le coeur de Justinien37. C’est ainsi qu’elle devient la maîtresse du futur empereur38. Théodora a alors 22 ans, Justinien 40.
Sous le charme, le futur empereur ne songe plus qu’à une chose : l’épouser. Néanmoins, il sait que la tâche ne sera pas facile. Une ancienne loi interdit aux hauts fonctionnaires d’épouser d’anciennes courtisanes. Il doit également faire face à l’opposition de son entourage. Sa mère, Vigilance, ainsi que sa tante, l’impératrice Euphémie (de son nom de naissance Lupicina), bien qu’elle soit elle-même d’origine modeste, s’y opposent39.
Justinien avance donc progressivement ses pions. Il obtient d’abord de son oncle, l’empereur Justin Ier, que soit accordé à Théodora le rang de patricienne, puis fait abroger le 19 Novembre 524 l’interdiction pour les anciennes actrices de contracter un mariage33.
Sa mère et l’impératrice étant mortes à quelques jours d’intervalle, Justinien fait pression sur son oncle pour obtenir son accord39. Face à l’obstination de son neveu, le vieil empereur accepte. Dès lors, plus rien ne s’oppose à leur union. Ni le sénat, ni l’armée pas plus que l’Eglise ne s’y opposent ouvertement35. Le mariage est célébré en 52540, probablement le 1er Août39.
Dans l’« Histoire Secrète », Procopeaffiche son incompréhension face à cette union. A l’évidence, Justinienaurait dû, selon lui, « prendre pour épouse une femme qui soit de meilleure naissance et qui aurait été élevée à l’écart, une femme qui n’aurait pas ignoré la pudeur41 ».
Pour Girod, la décision de Justinien peut raisonnablement s’expliquer si l’on tient compte de ses origines modestes. Fils de paysan, le futur empereur aurait pu conclure une alliance avantageuse avec une femme issue d’une puissante famille de l’aristocratie afin d’obtenir son soutien. Néanmoins, il n’est pas impossible que Justinien ait craint d’être regardé de haut par sa propre femme, n’étant pas lui-même un patricien de naissance. Théodora étant également d’origine modeste, ce risque n’existait pas. Elle venait de la rue, était intelligente et partageait les mêmes ambitions que lui42. Dans ses écrits, Procope note, un brin dépité, que Justinien « ne jugeait pas indigne de faire son propre bien de la honte commune de toute l’humanité […] et de vivre dans l’intimité d’une femme couverte de monstrueuses souillures »43.
Lorsque Justin meurt à 77 ans en 527, Justinien est couronné empereur. Privilège rare, Théodora revêt la pourpre en même temps que lui dans la basilique Sainte-Sophie, ce qui l’associe pleinement à l’Empire et fait d’elle une impératrice pleine et entière. Elle prend également le titre d’« Augusta ».
Rôle politique et religieux
Une fois sur le trône, elle conseille souvent Justinien, en particulier dans le domaine religieux. Elle partage ses plans et ses stratégies politiques, participe à ses conseils d’état. Justinien la désigne comme son «partenaire» dans ses délibérations44. Symbole de cette complémentarité au sein du couple impérial, Procope rapporte qu’« ils ne faisaient rien sans l’autre»45. Même s’il est peu probable que Justinien ait consulté Théodora sur des aspects techniques de ses affaires militaires, comme le note Cesaretti, elle le conseille dans le choix de ses collaborateurs et de ceux qui l’entourent46. Elle a sa propre cour, son entourage officiel et son propre sceau impérial47.
Désirant donner un nouveau statut pour la femme dans le cadre familial, elle a une influence certaine sur les dispositions concernant les femmes du Code justinien : mesures de protection à l’égard des comédiennes et des courtisanes, loi contre la « traite des blanches », possibilité pour les épouses de demander le divorce48. Elle fait également en sorte que les filles puissent faire valoir leur droit à l’héritage et fait passer des mesures de protection de leur dot en faveur des veuves39.
Cette ancienne courtisane fait également prendre à Justinien des mesures énergiques contre les propriétaires de maisons de tolérance, dépense de fortes sommes pour aider les prostituées, rachetant certaines d’entre elles et fonde une maison pour pécheresses repenties. Elle fait également adopter une loi qui interdit le proxénétisme, ce qui n’empêchera pas celui-ci de perdurer39.
Théodora est moins heureuse dans le choix de ses favoris et certaines de ses interventions sont pour le moins maladroites. Ainsi, après avoir couvert les débordements d’Antonina, la femme de Bélisaire, elle se brouille avec elle après avoir forcé sa fille Jeanne à se marier avec Anastase et fait rappeler Bélisaire d’Italie à un moment critique. Elle privilégie les hommes qui lui sont dévoués même s’ils sont incompétents.
Dans le domaine religieux, alors que Justinien penche pour l’orthodoxie et un rapprochement avec Rome, Théodora reste toute sa vie favorable aux monophysites et réussit à infléchir, du moins jusqu’à sa mort, la politique impériale. Par exemple, elle fit tout pour faire nommer Vigile pape à la place de Silvère qui luttait contre l’hérésie monophysite.
Selon Procope de Césarée, elle n’apprécie pas les thèses d’Origènequ’on accusait d’avoir soutenu la croyance en la réincarnation et la pré-existence de l’âme avant la naissance. Aussi, avant de mourir, Théodora pousse Justinien à convoquer le Deuxième concile de Constantinople de 553, qui condamne l’origénisme49.
Intervention lors de la révolte de Nika
Alors que le trône vacille, elle sauve la situation en janvier 532 lors de la sédition Nika grâce à une attitude courageuse et énergique, qui tranche avec celle de Justinien, préférant « mourir dans la pourpre50 » que de céder face à la populace.
Cette année-là, les deux factions politiques de l’hippodrome, Les Bleus et Les Verts, déclenchent une émeute lors d’une course de chars et assiègent le Palais51. Alors que l’Empereur et la plupart de ses conseillers envisagent déjà la fuite devant la propagation de l’émeute, Théodora les interrompt et déclare :
« Mes Seigneurs, la situation actuelle est trop grave pour que nous suivions cette convention qui veut qu’une femme ne parle pas durant un conseil d’hommes. Ceux dont les intérêts sont menacés par un danger d’une extrême gravité ne devraient penser qu’à se tenir à la ligne de conduite la plus sage et non aux conventions. Quand il ne resterait d’autre moyen de salut que la fuite, je ne voudrais pas fuir. Ne sommes-nous pas tous voués à la mort dès notre naissance ? Ceux qui ont porté la couronne ne doivent pas survivre à sa perte. Je prie Dieu qu’on ne me voie pas un seul jour sans la pourpre. Que la lumière s’éteigne pour moi lorsqu’on cessera de me saluer du nom d’impératrice ! Toi, autokrator (en désignant l’Empereur), si tu veux fuir, tu as des trésors, le vaisseau est prêt et la mer est libre ; mais crains que l’amour de la vie ne t’expose à un exil misérable et à une mort honteuse. Moi, elle me plaît, cette antique parole : que la pourpre est un beau linceul ! »52,53
L’éloquence virile de Théodora ranime le courage des officiers restés fidèles à l’Empereur53. Avec l’aide de Narsès et de Bélisaire, la sédition est écrasée.
Dans la restitutio54 (la reconquête des territoires de l’ancien Empire romain d’Occident), projet cher à Justinien, l’Italie tient une place centrale. Après la reconquête de l’Afrique du Nord par Bélisaire en 534, Justinien cherche un prétexte pour y intervenir militairement. Au printemps 535, la situation politique lui en donne l’occasion55.
A la mort du roi goth d’Italie, Théodoric le Grand, en 526, sa fille Amalasonthe était devenue régente pour le compte de son frère, Athalaric, qui était âgé de dix ans. Afin d’assurer son pouvoir, elle épouse son cousin Théodat. Rapidement, elle cherche à se rapprocher de Byzance afin de contracter une alliance et obtenir sa protection55,56.
Sur la recommandation de Théodora, Justinien désigne alors un nouvel ambassadeur Pierre le Patrice et l’envoie en 534 à la cour ostrogothe de Ravenne afin de négocier un accord. Les discussions n’eurent pas le temps d’aboutir. Avant qu’il n’arrive, la noblesse gothe qui était en désaccord avec la politique d’Amalasonthe, la tua au printemps 535 et plaça son cousin Théodat sur le trône55,57.
Dans l’Histoire Secrète, Procopeaccuse Théodora d’avoir organisé l’assassinat d’Amalasonthe par jalousie. D’après lui, Amalasonthe, craignant pour sa vie, aurait voulu se réfugier à Constantinople. Voyant en elle une rivale, Théodora aurait alors demandé à Pierre le Patrice de lui tendre un piège et de la faire disparaître contre une forte somme d’argent. La thèse de Procope comporte néanmoins plusieurs incohérences. Pierre le Patricearrive en effet en Italie après la mort d’Amalasonthe. Il n’a donc pas pu servir d’intermédiaire pour organiser son assassinat avec la complicité de la noblesse gothe58. D’autre part, la question de l’Italie ne semblait pas faire partie à ce moment-là des priorités de l’impératrice. Elle travaillait au rapprochement entre dyophysites romains et monophysites d’Orient, avec la collaboration d’Anthime, le patriarche de Constantinople, qui était monophysite56.
A la cour byzantine, la déposition et l’assassinat d’Amalasonthe sont interprétés comme un acte de rébellion des Goths contre l’empereur. Les Goths ne sont plus perçus comme des représentants de l’Empire mais comme des ennemis. Tout est en place pour une intervention militaire56.
Tensions avec le pape
Lorsqu’il apprend que les troupes impériales conduites par Bélisaire sont en marche, le nouveau roi des Goths, Théodat, envoie le pape Agapet Ier à Constantinople pour tenter de trouver une solution diplomatique59. En février 536, ce dernier est reçu par Justinien avec tous les honneurs dus au chef de l’Église de Rome. Voyant que sa visite était vouée à l’échec, Justinien étant décidé à rétablir l’autorité de l’Empire romain en Italie, Agapet oriente alors les discussions sur la question des deux natures du Christ, sujet de discorde entre les chrétiens dyophysites de Rome et les chrétiens monophysites d’Orient. Des tensions apparaissent alors entre l’empereur et le pape, Agapet accusant le patriarche de Constantinople, Anthime, d’être un intrus et un hérétique. Après avoir menacé le pape de bannissement, Justinien finit par céder. En mars536, Anthime est démis de ses fonctions et est remplacé par un patriarche dyophysite, à la grande fureur de l’impératrice60.
Agapet rentre ensuite à Rome où il meurt peu après de maladie, après seulement dix mois de règne. De son côté, Théodora semble irritée par le comportement de Justinien, celui-ci ayant un peu trop facilement céder au pape. Elle pense alors pouvoir retourner la situation en favorisant la nomination d’un pape monophysite à Rome. Dans cette optique, elle envoie alors Vigile, un nonce pontifical qui fait partie de ses proches, en Italie. Malheureusement pour l’impératrice, Vigile arrive trop tard. En Juillet 536, un nouveau pape, nommé Silvère, est élu avec la bénédiction des Goths. Néanmoins, ce dernier se retrouve rapidement dans une position inconfortable. En raison du conflit avec les Goths, les Byzantins refusent de reconnaitre officiellement sa nomination. Pour compliquer les choses, le roi goth à qui il devait sa nomination, meurt après avoir été renversé par la noblesse locale. C’est donc sans protection que le pape voit les troupes byzantines conduites par Bélisaire se rapprocher de Rome à l’automne 536. Silvère entame alors des discussions avec le général byzantin et lui ouvre les portes de la ville le 9 décembre53661.
Si la prise de Rome est un succès majeur pour les projets de reconquête de Justinien, Théodora, elle, n’en oublie pas sa priorité : s’assurer que le trône papal est occupé par quelqu’un susceptible de s’entendre avec les chrétiens monophysites d’Orient. Elle décide donc d’écrire au pape afin de lui demander de rendre le poste de patriarche de Constantinople au monophysite Anthime. La réponse de Silvère est lapidaire : « Jamais je ne réhabiliterai un hérétique condamné pour sa méchanceté »62.
Pour l’impératrice, la coupe est pleine. Au cours de l’hiver 536-537, elle décide de prendre les choses en main et de remplacer le pape Silvère par Vigile. Elle écrit au général Bélisaire en lui ordonnant de destituer Silvère, mais celui-ci hésite. Il vient d’apprendre qu’une importante armée gothe est en route pour assiéger Rome et doit se préparer à défendre la ville. Il se voit mal traiter en plus des complications sur le plan religieux62.
Théodora décide donc de faire appel à son amie Antonina, la femme de Bélisaire, qui était présente en Italie aux côtés de son mari et avec qui elle entretenait une correspondance séparée. Antoninal’informe que des rumeurs courent concernant des accords secrets entre le pape et les goths. Théodora lui ordonne de faire arrêter Silvère pour haute trahison. Un jour de mars 537, Silvère est invité à venir rencontrer Bélisaire sur la colline du Pincio. Séparé de sa suite, le pape est accompagné dans une salle privée. A sa grande surprise, il est reçu par Antonina63, qui lui lance : « Alors, seigneur pape Silvère, que vous avons-nous fait, à vous et à tous les Romains ? Pourquoi êtes-vous si pressé de nous remettre aux mains des Goths ? »62.
A la suite de cette entrevue, Silvèreest destitué et Vigile consacré pape. Après avoir été brièvement contraint à l’exil en Asie Mineure, Silvère est assigné à résidence à Ponza où il meurt quelques années plus tard62.
Régence
Lorsque Justinien tombe malade durant l’épidémie de peste bubonique de 542, Théodora le supplée dans la gestion des affaires de l’Empire. Soucieuse d’assurer une continuité du pouvoir impérial, elle tient durant la période de convalescence de son mari de brefs conseils avec les principaux ministres de l’empire. Malgré ses connaissances relatives, il est probable que l’impératrice dut intervenir sur des questions législatives et militaires. Elle s’arrange néanmoins pour que rien ne filtre et les axe sur des questions exclusivement techniques. Malgré la situation exceptionnelle qui la place dans une position de pouvoir sans partage, elle ne prend aucune mesure qui aurait été contraire à la volonté de son mari, y compris sur les monophysites. Jusqu’au rétablissement de Justinien, elle semble au contraire avoir voulu incarner un visage équilibré du pouvoir à la fois dyo et monophysites, visitant indistinctement les églises et les hospices pour rendre visite aux malades64.
Paradoxalement, cette situation fait prendre conscience à Théodora de la fragilité de sa position. Elle et Justinien n’ayant pas d’héritier, les noms des prétendants au trône commencent à circuler au sein de la cour impériale. Si Justinien meurt, le trône sera l’objet de toutes les convoitises et rien ne dit que l’armée la soutiendra. Au sein de celle-ci, le malaise est palpable. En plus des tensions sur le front, des retards dans le versement des soldes mécontentent les soldats. Pour certains généraux, une solution interne comme Théodora n’est pas envisageable65.
Deux officiers du front oriental faisant partie du réseau d’informateurs de Théodora lui remontent qu’ils auraient entendu dire que Bélisaire et Bouzès, un autre militaire de haut rang, n’accepteraient pas un autre empereur « comme Justinien »66. Que les rumeurs aient été fondées ou non, l’impératrice décide de réagir. Une enquête est ouverte sur les deux hommes. Bélisaire est rappelé à Constantinople mais n’est pas inquiété au contraire de Bouzèsqui est enfermé66.
Le rétablissement de Justinien en 543 est un soulagement pour l’impératrice. Malgré l’absence de preuves, elle garde néanmoins un ressentiment contre Bélisaire qu’elle soupçonne d’avoir voulu profiter de la situation. Afin de calmer la colère de sa femme, Justinien ordonne de démettre Bélisaire de sa charge de stratège d’Orient et de démanteler sa garde personnelle. L’historien Paolo Cesaretti y voit une humiliation pour Bélisaire et le témoignage du caractère implacable de l’impératrice67.
Décès
Théodora meurt le 28 juin 548, 17 ans avant Justinien, d’une maladie dont les symptômes ressemblent à ceux d’un cancer du sein. Son corps fut enterré dans l’église des Saints-Apôtres à Constantinople68. Profondément affecté, Justinien ne se remit jamais de la mort de sa femme. Durant les dernières années de son règne, l’empereur s’enferma dans la solitude, ne se montrant en public que lors de rares cérémonies officielles35. L’historien Jean Steiner écrit : « En perdant Théodora, Justinien avait perdu la volonté forte qu’elle lui avait apportée. Plus que lui, elle avait été l’homme d’Etat du règne»69.
Personnalité et traits physiques
Malgré ses critiques acerbes, Procope reconnait à Théodora un charme indéniable : « Elle était à la fois belle de visage et gracieuse, quoique petite, avec de grands yeux noirs et une chevelure brune. Son teint n’était pas tout à fait blanc mais plutôt mat ; Elle avait le regard brûlant et concentré70». Décrivant une de ses statues en pied, il écrit : « La statue a bel aspect mais n’égale pas en beauté l’impératrice, car il était absolument impossible, du moins pour un mortel, de rendre l’harmonieuse apparence de cette dernière71».
À l’égard de sa beauté, son talent « spirituel et salace » était reconnu de tous, y compris par ses détracteurs. « Elle était extrêmement vive et moqueuse » écrit Procope. Un jour, un patricien d’un certain âge demanda une audience à l’impératrice dans le but de se plaindre. Il avait en effet prêté de fortes sommes d’argent à un responsable du service impérial mais ce dernier ne lui aurait pas restitué la somme due. L’impératrice ne répondit pas, se contentant d’entonner une mélodie, bientôt accompagnée par les eunuques qui l’entouraient. Un brin moqueuse, cette chanson comportait des paroles telles que « Comme ta kêlé est grosse », qui peut être traduit par « Comme le trou (de tes finances) est grand » ou « Comme tu nous les casses », selon que l’on entende « kêlé » ou « koilê » (trou). Malgré son insistance, le patricien n’obtint rien de plus et s’en retourna bredouille72.
Outre sa volonté et son ambition, Théodora disposait de qualités innées telles que la mémoire et le sens de l’opportunité, qualités qu’elle affinera au cours de sa carrière d’actrice. Sa spécialité consistait à dédramatiser les conflits et les heurts violents par l’ironie73.
L’auteur Jean Haechler la décrit comme une impératrice d’une habilité rare, à la fois déterminée, rusée et sans scrupule.
Elle ne se ménage pas lorsqu’il s’agit d’aider ceux à qui elle a accordé son amitié, ce qui lui vaut le surnom de « la fidèle impératrice». Elle vient en aide à son amie Antonina, mariée à Bélisaire, lorsque celle-ci se compromet dans une relation extra-conjugale avec un jeune Thrace. Un jour, lorsqu’Antonina lui apprend que son amant a été emprisonné suite aux révélations de Photius, le propre fils d’Antonina né d’un premier mariage, elle le fait rechercher et libérer pour le rendre à Antonina39, ce qui n’empêche pas l’impératrice de « montrer les dents » à son amie d’enfance pour s’être montrée incapable de séparer les plaisirs privés des vertus publiques demandées aux dames de la cour74.
Peu de critiques lui sont faites sur sa conduite et ses mœurs en tant qu’impératrice. Procope lui reproche seulement une chose : avoir fait mettre à mort un intendant, après que celui-ci ait propagé la rumeur, fondée selon lui, selon laquelle elle était amoureuse de lui33.
Les principales critiques que lui adresse Procope concernent les années qui ont précédé son arrivée au trône, et durant lesquelles elle aurait mené une vie de débauche. Dans son Histoire secrète, Procopefait notamment de Théodora une véritable érotomane et une femme à l’appétit sexuel débordant : « Jamais il n’y eut de personne plus dépendante de toutes les formes de plaisir ; […] ; Elle passait tout la nuit à coucher avec ses commensaux et, quand tous étaient épuisés, elle passait à leurs serviteurs, […] mais même ainsi, elle ne parvenait pas à satisfaire sa luxure.»75 Lorsqu’elle commence sa carrière d’actrice, il décrit ses prestations comme étant “plus qu’inpudiques” et lui décerne le titre de “suprême créatrice d’incédence”76. Il lui reproche enfin sa gourmandise et ses caprices alimentaires. D’après lui, elle se serait volontiers “laissée tenter par toute espèce de nourriture et de boisson”77.
Cependant, les exagérations de Procope, si tant est que l’œuvre soit réellement de lui, sont certainement à mettre sur le compte d’une opposition politique envers une femme qui, selon une rumeur probablement exagérée, gouvernait son mari et par là-même tout l’empire. Selon Procope, “l’émancipation des femmes sous quelque forme que ce soit, est un mal absolu” et voir une femme d’origine modeste, gouverner de manière indépendante était difficilement acceptable. Attaquer une femme sur sa vertu était un moyen commode de la discréditer. Cette thèse est notamment défendue par l’historien Pierre Maraval. La malveillance de Procope serait, selon lui, le reflet de la haine de l’élite envers une impératrice qui n’était pas issue du milieu aristocratique, et qui était une ancienne actrice, une profession considérée comme déshonorante à l’époque33.
Au cours de son règne, Théodora s’appuya régulièrement sur les services de son amie de longue date, Antonina, qu’elle avait connue durant sa carrière d’actrice. Les deux femmes se faisaient confiance et entretenaient des rapports étroits. Avec le temps, Antonina devint ainsi le « bras droit » de Théodora dans l’exercice du pouvoir78.
L’impératrice appréciait son efficacité, en particulier pour éliminer les opposants politiques. La carrière de certains pontifes et ministres de l’empire fut ainsi brisée pour avoir fait obstacle à la volonté de l’augusta24. Femme d’influence, Antonina joua également un rôle décisif dans le remplacement du pape Silvère par Vigile, que Théodora voulait favoriser en raison de sa sympathie pour les monophysites79.
Sur le plan personnel, Antonina était mariée au général Bélisaire, ce qui présentait plusieurs avantages pour l’impératrice. Elle se méfiait de ce talentueux général qui avait brillamment mené plusieurs campagnes militaires en Afrique et en Italie. Elle craignait que cette gloire soudaine ne lui donne envie de se proclamer roi en Italie avec la bénédiction des Goths, voire de renverser Justinien. Le fait qu’Antonina soit mariée à Bélisairelui permettait de garder une oreille sur les éventuelles ambitions politiques de son mari78.
Antonina suivait Bélisaire durant ses différentes campagnes et entretenait une correspondance séparée avec l’impératrice. Celle-ci était ainsi informée de la situation. Lorsque Bélisaire fut rappelé d’Italie et envoyé combattre les Perses qui avaient rouvert les hostilités en 541, Théodora écrivit ses inquiétudes à Antonina. Elle l’interrogea sur la possibilité d’un retour des Goths en Italie. Soucieuse de défendre les monophysites, elle lui demanda également comment elle interprétait le comportement du pape Vigile qui s’était montré réticent à faire preuve d’ouverture dans le domaine religieux. Antonina l’éclaira comme elle le pouvait. Elle craignait surtout que l’impératrice ne confisqua les richesses que son mari avait amassées durant ses campagnes et qu’elle administrait avec son amant Théodose. « Tisseuse de mensonges », elle détourna l’attention de l’impératrice sur le ministre Jean de Cappadoce, qu’elle accusait de rogner dans les dépenses et de ne pas fournir assez d’hommes et de ressources à son mari, ce qui confirma Théodora dans son opinion que celui-ci représentait une menace pour l’Empire80.
Au pouvoir, Théodora savait également s’entourer d’hommes de confiance, parmi lesquels on trouve en premier lieu Narsès, le chef des eunuques du Palais.
L’historien byzantin Agathias le Scholastique le décrit comme un homme habile ayant la capacité de s’adapter à son époque. Originaire d’une famille noble d’Arménie, sa loyauté et son intelligence lui avaient permis de devenir à 50 ans le chambellan de l’empereur Justinien. Son âge avancé, à peu près celui de Justinien, en faisait un interlocuteur idéal pour la jeune impératrice. L’augusta appréciait son expérience et sa discrétion. C’est ainsi qu’il devint son favori.
A l’aise sur les champs de bataille, Narsés l’était également dans les intrigues du Palais. Son astuce, son attention aux détails et son réalisme parfois cru furent des aides précieuses pour l’impératrice. Son soutien dans sa lutte contre Jean de Cappadoce et son rôle décisif lors de la révolte de Nika lui valurent de gagner définitivement la confiance de Théodora81.
Jean de Cappadoce, le rival
Parmi les adversaires politiques de Théodora, le plus connu est Jean de Cappadoce, le préfet du prétoire d’Orient (sorte de premier ministre de l’époque), qui avait gagné la confiance de Justinien grâce à ses compétences financières et ses capacités de réformateur. Il avait néanmoins commis l’imprudence de prendre Théodora de haut, et d’essayer de la discréditer auprès de l’Empereur. Ambitieux, il espérait également pouvoir élargir ses attributions et faire de la préfecture du prétoire un contre-pouvoir35. Percevant la menace, l’impératrice organise alors une machination pour le discréditer.
Le gouverneur étant quelqu’un de méfiant et de difficile à approcher, elle décide de lui tendre un piège. Elle demande à son amie d’enfance, Antonina, d’approcher la fille de Jean de Cappadoce, Euphémie, et de gagner sa confiance. Jouant la comédie, Antonina fait croire à Euphémie qu’elle partage sa haine de l’impératrice. Elle lui affirme également que son mari, Bélisaire, estime avoir été mal récompensé par Théodora et Justinien, et qu’il soutiendra la première initiative qui permettrait de les renverser. La jeune fille rapporte tout à son père et le convainc de rencontrer discrètement Antonina dans sa maison de campagne82. Ce rendez-vous est en fait un piège, car Théodora a caché dans la maison deux hommes de confiance, dont l’un deux n’est autre que Narsès, chef des eunuques du palais. Théodora lui demande de supprimer purement et simplement Jean de Cappadoce si celui-ci se rend coupable de trahison.
Jean de Cappadoce se présente comme convenu au rendez-vous fixé par Antonina. Habile manipulatrice, celle-ci lui fait prendre des engagements démontrant sa volonté de renverser le pouvoir82. À ce moment-là, les deux hommes de Théodora font irruption dans la pièce. Après une courte lutte, Jean de Cappadoce parvient à s’enfuir mais commet l’erreur de demander l’asile dans une église voisine. Celle-ci étant hors du périmètre de la justice impériale, ce geste est perçu comme une preuve de culpabilité35.
Les soupçons sur un prétendu complot pour renverser Justinien étant malgré tout insuffisants pour faire tomber Jean de Cappadoce, Théodora l’accuse d’avoir également fait assassiner un évêque avec qui il était en conflit. En mai 541, Jean de Cappadoce est arrêté et emprisonné, avant d’être envoyé en exil en Égypte. Il ne reviendra à Constantinople qu’à la mort de Théodora, mais ne jouera plus aucun rôle politique35.
Malgré les qualités que Justinien reconnaissait à Jean de Cappadoce, sa popularité lui faisait de l’ombre. Il est donc probable qu’il ait laissé les mains libres à Théodora afin de le débarrasser d’un ministre, certes compétent mais trop indépendant à son goût35.
Famille et enfants
Elle n’a pas d’enfant de Justinien mais elle a une fille, Théodora, née vers 515 (soit avant leur rencontre), qui se marie avec Flavius Anastasius Paulus Probus Sabinianus Pompeius, un membre de la famille du défunt empereur Anastase, avec qui elle aura trois enfants, Anastase, Jean et Athanase83.
La sœur aînée de Théodora, Comito, se marie en 528 ou 529 avec le général Sittas, l’un des collaborateurs de Justinien84. De leur union naît une fille nommée Sophie, que Théodora marie au neveu de Justinien, le futur Justin II85 et qui devient à son tour impératrice de Byzance86.
Son influence sur Justinien fut telle qu’il continua, après sa mort, à s’efforcer de préserver l’harmonie entre monophysites et dyophysitesau sein de l’Empire, et il respecta sa promesse de protéger la petite communauté de réfugiés monophysites dans le palais Hormisdas87.
Après sa mort, la ville d’Olbia en Cyrénaïque (région de l’actuelle Libye) a été rebaptisée « Theodoria », en l’honneur de l’impératrice. La ville, aujourd’hui appelée Qasr Lybia, est connue pour ses splendides mosaïques datant du vie siècle88.
Tous deux sont représentés sur les mosaïques de la basilique Saint-Vital de Ravenne en Italie, qui existent aujourd’hui et qui ont été complétées après leur mort.
Théâtre
L’écrivain et dramaturge français Victorien Sardou lui dédie un drame en cinq actes intitulé Théodora en 1884. Dans celui-ci, Sardou prend volontiers ses distances avec la réalité historique. Alors qu’elle est déjà mariée à Justinien, Théodora y incarne une amoureuse passionnée qui s’entiche d’un jeune homme nommé Andréas, avec lequel elle vit un amour impossible. Leur relation tourne mal. Théodora assiste impuissante à la mort de son amant qu’elle a empoisonnée par erreur, avant d’être étranglée par Justinien89. Lors de la représentation de la pièce, l’impératrice fut jouée par Sarah Bernhardt.
Cinéma
Plusieurs films relatent la vie de Théodora dès l’époque du cinéma muet. En 1912, le cinéaste français Henri Pouctaladapte au cinéma la pièce de Victorien Sardou. En 1921, l’Italien Leopoldo Carlucci réalise Théodora (Teodora), un film muet en noir et blanc.
En littérature, Michel de Grèce a écrit un roman sur sa vie : Le palais des larmes. La princesse Bibesco a écrit un roman sur sa jeunesse : Théodora, le cadeau de Dieu(1953). Guy Rachet, archéologue et historien, a écrit un roman sur l’ascension de Théodora au trône de Byzance intitulé Théodora (1984). Odile Weulersse, agrégée de philosophie, a publié en 2002 le roman Théodora, impératrice et courtisane, réédité en 2015 sous le titre La poussière et la pourpre.
Dans le domaine pictural, de nombreux hommages postérieurs lui furent rendues et plus particulièrement au xixe siècle avec la veine orientaliste. C’est notamment le cas du peintre français Benjamin-Constant, ce dernier ayant réalisé en 1887 deux portraits fictifs de l’impératrice byzantine.
Le premier, « L’impératrice Théodora », présente l’impératrice, parée de perles et de bijoux, assise sur son trône. Elle semble esquisser un sourire. Le portrait, iconique, n’est pas sans rappeler celui de la basilique Saint-Vital de Ravenne90.
Le second, « L’impératrice Théodora au Colisée », montre l’impératrice dans sa loge de l’hippodrome, bras et épaules nus, vêtue d’une robe fauve. Le titre est trompeur, Théodora ne s’étant jamais rendue au Coliséeà Rome90.
D’autres artistes réalisèrent un portrait de Théodora par le prisme de l’actrice contemporaine Sarah Bernhardt, incarnant alors le rôle de cette dernière au théâtre. Des portraits du nom de Sarah Bernhardt en Théodora voient ainsi le jour au début du xxe siècle par le biais des peintres Georges Clairin, en 1902 et Michel Simonidy, en 1903.
Les insoumises : 18 portraits de femmes exceptionnelles, de Jean Haechler (2007)
Les Grandes Courtisanes, de Joëlle Chevé (2012)
La poussière et la pourpre : Théodora, impératrice et courtisane, de Odile Weulersse (2015)
Les couples royaux dans l’histoire, de Jean-François Solnon (2016)
Virginie Girod, Théodora, prostituée et impératrice de Byzance, Tallandier, (ISBN9791021018228).
(en) John Bagnell Bury, History of the Later Roman Empire: From Arcadus to Irene (395 A.D. to 800 A.D. ), vol. II, New York et Londres, Macmillan & co., .
L’histoire de Théodora, racontée par Procope de Césarée est l’élément de fond de l’intrigue du roman policier de Jim Nisbet, The Syracuse Codex ou The Bottomfeeders (2004)
Publié en français sous le titre Le Codex de Syracuse, Paris, Rivages/Thriller, 2004, réédition Paris, Rivages/Noir no 753, 2009.
↑Anderson & Zinsser, Bonnie & Judith (1988). A History of Their Own: Women in Europe, Vol 1. New York, NY: Harper & Row. p. 47.
↑Marie-Andrée Roy, Agathe Lafortune, Mémoires d’elles, Médiaspaul, , p. 52.
↑Dorothée Koechlin de Bizemont, L’univers d’Edgar Cayce : toutes les révélations du plus grand médium américain sur la réincarnation, l’histoire, la médecine, le futur, etc, Paris, R. Laffont, , 409 p.(ISBN978-2-221-04237-3,OCLC412229587), p. 120.
↑La couleur pourpre était la couleur des empereurs.
I’m currently working on the Museum’s major exhibition Defining beauty: the body in ancient Greek art, which opens 26 March 2015. When you see the sculptures on display, you might be forgiven for thinking that the standard dress for men, in ancient Athens especially, was a state of undress. The Greeks, if their art is anything to go by, spent a lot of time starkers.
Although we must separate art from life, nevertheless, they enjoyed many more occasions for nudity than any other European civilisation before or since. The reason why they performed athletics in the nude was said to be because, in the early Olympic Games, a runner lost his knickers and as a result also lost the race. That story may be true or not but either way, it doesn’t explain the true nature of Greek athletic nudity as an expression of social, moral and political values.
The circumstances in which men and boys appeared naked were dictated by an exclusive attachment to certain values held by an elite ‘club’ of male citizens. To be naked was not the same as to be nude. The first befits manual workers or those engaged in lewd behaviour. Nudity by contrast was the uniform of the righteous. When a young man in ancient Athens exposed his athletic body to his peers, he was not asserting his sexuality, rather, he was demonstrating his qualification to compete in athletics and at the same time to be worthy of putting on a second skin of bronze and defending his city on the battlefield. Such young men were called Kaloi and Agathoi, that is to say, the beautiful and the good. Death in battle was the Kalos Thanatos or the beautiful death.
There is an interesting anecdote recorded in the life of the 5th-century BC philosopher Socrates, when he meets a fellow citizen Epigenes by chance. Socrates remarked tactlessly that his friend was looking rather chubby, which was rich coming from Socrates who, although he was a brave soldier, was notoriously pug-faced and pot-bellied. Epigenes told Socrates it wasn’t his business. He was now not in the army and, as a private citizen, he didn’t have to go to the gymn. Socrates replies that Epigenes owed it to his city and himself to be as fit and beautiful as possible. It was, said Socrates, the moral duty of every citizen to maintain himself in readiness in case called upon to defend his city. And besides, Epigenes was obliged to keep himself as pretty as he could be, while he was still young. The Greek body beautiful was a moral condition and one to which only the Greeks among the peoples of the ancient world were attached. Neither the Egyptians, nor the Assyrians, Persians or the Cypriots cultivated in art and in life ideal nudity.
The ideal Greek male body, then, is at the very heart of the Greek experience. Female nudity was much rarer than male nudity and the wives of well-to-do citizens were expected to stay indoors preserving their reputations with their pale complexions. Sculptors become increasingly skilled at showing the body beneath thin tissues of drapery and to judge from such objects as terracotta figurines and white marble sculpture, women were adept at flaunting their figures using drapery as a means of exaggerating their shape and so drawing attention to the body beneath. Aphrodite, goddess of love, is alone among the female Olympian gods in being represented naked. Hers is an ambiguous presence, however, for crouching or standing at her bath she appears to lure us in to erotic pleasure, only then to punish us for having the presumption to gaze upon her divine beauty.
To conclude, the Greek body is a pictorial sign through which the Greek experience is communicated. Nudity in ancient Greece was all part of an obligation to promote moral values that were amplified and endorsed through the culture of athletics and military training.
Head of a Man with Kausia. Third century BCE, Kalymnos, Archaeological
Museum Power and Pathos: the must-see 2015 exhibition in Florence Exploring the beauty of bronze
by Natasha Garland
Run, don’t walk, to the exhibition of Hellenistic bronzes at Palazzo Strozzi. Beyond the sheer beauty of this assembly of ancient statues, the elegantly curated exhibition, ‘Power and Pathos: Bronze Sculpture of the Hellenistic World,’ is so compelling and thought provoking that you may want to visit more than once. Through an unprecedented collaboration with the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the National Gallery in Washington, DC, and other museums, 50 outstanding Hellenistic bronzes have been gathered for this exhibition, which runs until June 21, 2015, exploring the development of art in the Hellenistic age, in the third century BCE. ‘The show, which was roughly six years in the making, offers a rare opportunity to see these bronzes side by side,’ says Carol Mattusch, professor emerita at George Mason University and advisor to the exhibition. ‘Consider that, of the thousands of bronze sculptures created in the Hellenistic period, roughly 200 remain today and, of those 200, fifty of the best are in this show.’
Statuette of an Artisan. Mid-first century BCE, New York, The Metropolitan
Firenze first international stop of the Hellenistic bronzes
by Marco Carminati
Head of an athlete (Apoxyomenos), bronze, Fort Worth, Kimbell Art Museum <!–Credit: Il Sole 24 Ore–>4/5
Head of Apollo, bronze, Salerno, Provincial Archaeological Museum <!–Credit: Il Sole 24 Ore–>5/5
Alexander the Great on his horse, bronze with silver inlays, Naples, National Archaeological Museum <!–Credit: Il Sole 24 Ore–>1/5
Athena (Minerva of Arezzo), bronze, Florence, National Archaeological Museum <!–Credit: Il Sole 24 Ore–>2/5
Statue of an aristocratic boy, bronze, New York, The Metropolitan Museum of Art <!–Credit: Il Sole 24 Ore–>3/5
Fifty bronze statues from the Hellenistic era, between the 4th and 1st centuries BC, are on show until June 21 in an exhibition in Palazzo Strozzi in Florence, entitled “Power and Pathos. Bronzes in the Hellenistic world.”
The exhibition is organized in collaboration with the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the National Gallery in Washington and the Archaeological Superintendence of Tuscany. An exhibition that, after Florence, will move to the J. Paul Getty Museum in Los Angeles (July 28-November 1) and the National Gallery in Washington (6 December 2015-20 March 2016).
With artworks loaned from all over the world, the exhibition opens with a marble base statue from Corinth, on which a bronze statue was standing.
On the base, a signature in Greek reads:“Lysippos made.” Here, then, rose one of the 1,500 sculptures that – according to ancient sources – Greek sculptor Lysippos modeled, and none of which has survived in original copy.
Behind Lysippos’ base, there is the Arringatore (“The Orator”) of the Archaeological Museum of Florence, a bronze from the 2nd century BC discovered in 1566 near Lake Trasimeno, in Umbria. It is a statue of Hellenistic style, dressed in Roman clothing and bearing an Etruscan inscription.
The second section (entitled “Portraits of Power”) is dedicated to the figure of Alexander the Great and the art inspired by him: massive equestrian groups were meant to immortalize the military greatness and the heroism of the king and his huge empire.
Apart from highlighting the exceptional anatomic qualities of the Hellenistic bronzes, (it is said that Lysistratus, Lysippos’ brother, carved the models from living bodies), the exhibition shows that all those statues of monarchs, heroes, gods, athletes, citizens and matrons were used to decorate big public buildings, as “ex voto” offerings in sanctuaries, as domestic votive figures. The singular Hercules from the Archaeological Museum of Naples, found in a villa of the Vesuvian area, still sitting on his original base made of limestone, is one of the most famous examples.
If they were so popular, why did the Hellenistic bronze sculptures almost completely disappear? The bronze itself could be recast. Already by Roman times ancient statues were melted to make other ones. How could the surviving statues have escaped? Sea journeys ended up in shipwreck, or eruptions like that of Mount Vesuvius have saved the Hellenistic bronze statues from the fate of melting.
(“Power and Pathos. Bronzes of the Hellenistic world,” Florence, Palazzo Strozzi, until June 21)
Blockbuster ‘Power and Pathos’ Exhibit to Open in Florence
An extensive new show brings together 50 ancient bronze masterpieces
‘Eros Sleeping,’ third-second century B.C., New York, The Metropolitan Museum of Art. | Unlike earlier portrayals of Eros as a fickle youth, this version emphasizes purity in the form of sleeping baby. Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Firenze
‘Alexander the Great,’ first century B.C., Naples, Museo Archeologico Nazionale. | This piece impressed ancient authors with its unprecedented realism. Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli…
‘Terme Boxer,’ third century B.C., Rome, Museo Nazionale Romano di Palazzo Massimo. | One of the most famous ancient sculptures–a masterpiece of scarred and beaten realism. Museo Nazionale Romano…
‘Portrait of a Man,’ second-first century B.C., Athens, National Archaeological Museum. | Informally called the Worried Man from Delos, this piece is known for its emotional intensity and individuality. National Archaeological Museum, Athens/Art Resource, NY…
‘Head of athlete,’ second century B.C.-first century A.D, Fort Worth, Kimbell Art Museum. | Remarkably well preserved–it may be one of the few ancient bronzes that was never buried. Kimbell Art Museum/Art Resource, NY/Scala, Firenze…
Is it possible that the apotheosis of Western sculpture was achieved over 2,000 years ago and it’s been all downhill since then? A new blockbuster exhibit, ‘Power and Pathos: Bronze Sculpture of the Hellenistic World,’ strongly buttresses this view.
Greek bronzes hold a rarified place in the art world, both in terms of quality and scarcity. Most Greek sculpture that has survived is carved from marble. In ancient times, however, bronze was more highly prized and served as the material of choice for the wealthiest patrons and most skilled artists. Unfortunately, bronze was also easily melted down for recycling and most pieces have been lost to time and history. Carol C. Mattusch, a bronze expert at George Mason University, estimates that “There are probably fewer than 200 ancient large-scale bronzes, Greek and Roman, unless you want to count an arm here and a leg there.”
So it’s a remarkable curatorial achievement that ‘Power and Pathos’ brings together 50 or so of the most spectacular surviving masterpieces in one exhibit. The show opens March 14 at the Palazzo Strozzi in Florence, before moving to the J. Paul Getty Museum in Los Angeles in July and then the National Gallery of Art in Washington in December. Classical scholars and sculpture lovers are abuzz over the breadth of the show, declaring it one of those rare museum shows that is worth getting on a plane to see. Adding to the allure of the show, many of the pieces have an exciting back-story: a number have been discovered by fisherman or divers at the bottom of the sea. One of the newer stars of the show is the first century B.C. Croatian Apoxyomenos, or Statue of an Athlete, discovered at a depth of about 150 feet in 1997 in the Northern Adriatic off the coast of Croatia. It is largely intact, making it one of the most striking underwater discoveries of the last 20 years. Indeed, from a preservationist’s point of view, the best thing that could happen to a Greek bronze is that it was lost at sea in a shipwreck or buried in a landslide or earthquake.
The works in the show come from “thirty-four museums in thirteen countries on four continents who have entrusted us with many of their most celebrated treasures,” according to the exhibition catalog.
The show is a veritable Murderers’ Row of Greek bronzes, pieces that have been famous for centuries, including the Terme Boxer, from Rome, Sleeping Eros, from New York’s Metropolitan Museum of Art and Boy with Thorn, also from Rome. The piece also contains some memorable newer discoveries that have never traveled before. The Getty, which was the driving force behind the exhibition, custom-built specially reinforced shipping crates for the different works and provided them to the different museums for transport.
Large-scale ancient bronzes rarely come to market and the works in the show are literally priceless. In 2007, an anonymous bidder paid about $28 million for a bronze Artemis and the Stag. Using that as a rough, crude measure, there is about $1.5 billion worth of ancient art in the show. Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum, declines to put a dollar amount on the art in the show, but notes that the Artemis piece was a Roman bronze, and thus had a “frankly lower” value than the older Greek bronzes in the show.
Not every piece will travel to every location on the tour. For instance, the Getty Bronze, a statue of a naked youth crowning himself with a wreath (300-100 B.C.), is claimed by Italy. Mr. Potts says the piece will travel to D.C., but not to Italy. “It’s an object that’s still going through the court system in Italy,” he says. Unlike other pieces that the Getty returned to Greece and Italy for lacking proper title, the Getty says that the bronze was found in international waters and Italy has no legal claim to the piece. A spokesman for Italy’s Culture Ministry said that Italy still claims the statue and that it is currently awaiting a ruling by Italy’s highest appeal’s court. Despite the one contested piece, the Getty and a number of Italian museums are working closely on the exhibit.
The exhibit focuses on works made in the Hellenistic age versus the earlier Classical period, which portrayed subjects in an idealized fashion—godlike rulers and athletes with unattainable abs and cheek bones, much like a fashion magazine cover. The art in the show dates roughly from the death of Alexander the Great (323 B.C.) to the ascent of Rome over Greece in the first century A.D., when artists began to make their work more life-like and individualistic. The Getty’s Mr. Potts argues that the sculptures of that period are the “most life-like and emotionally charged ever made, and still one of the highpoints of European art history.”
The Boxer is filled with pathos. The bruised, aging fighter has a broken nose, battered ears and blood and sweat dripping from his body. The hyperrealism and emotional content of these pieces has an electrifying impact on contemporary audiences. When the Boxer was on loan to the Met in 2013, guards had to constantly stop people from impulsively touching the statue.
Other pieces show wild beards, crow’s feet and other wrinkles, veins and tendons. “The head of the man from Delos is one of the great examples of individual portraiture from any era,” says Jens M. Daehner, one of the curators of the show. “It really embodies our modern idea of what a portrait is—something that originated in Hellenistic time.”
Leonardo Da Vinci (1452-1519)
Study for the head of the Virgin, circa 1507-1510
Black Chalk, Red Chalk – 20.3 x 15.6 cm
New York, The Metropolitan Museum of Art
Photo : The Metropolitan Museum of Art http://www.giacobbegiusti.com
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Giacobbe Giusti, a new world 