Giacobbe Giusti, Master of Saint Francis, Details of a Crucifix (c.1275-80), National Gallery, London

Giacobbe Giusti, Master of Saint Francis, Details of a Crucifix (c.1275-80), National Gallery, London

 

 

Giacobbe Giusti, Master of Saint Francis, Details of a Crucifix (c.1275-80), National Gallery, London

The Master of Saint Francis (in Italian Maestro di S. Francesco) was an anonymous Italian painter, perhaps of Pisan origin[1] though probably trained in Umbria,[2] working between 1250–1280. His work embodies an important aspect of the contact between Italian and Byzantine art of this period.

Works

A painter of frescoes and panels and, perhaps, designer of stained glass in the district around Perugia, the Master of Saint Francis was given this name by art historian Henry Thode in 1885 and is based on the title of a panel painting, St. Francis with Angels, found in the Basilica of Saint Mary of the Angels in Assisi.[3]

Much of the work attributed to him was part of the early phase in the decoration of Basilica of San Francesco of Assisi, including the fresco cycle in the nave of the Lower Church with five scenes from the Passion of Christ on the right wall and five scenes from the Life of St Francis on the left. (These were damaged by the later opening of the side chapels.) In spite of the obvious participation of assistants, the entire cycle seems to have been planned by a single artist and can be considered as homogeneous and characteristic of his style. The cycle was largely based on the later works of Giunta Pisano but also shows the influence of such Umbrian artists as Rainaldetto di Ranuccio, Simeone and Machilone and of contemporary manuscript illumination, for example the Gospel Book of Giovanni da Gaibena (Padua, Bib. Capitolare). Designs for some of the stained glass windows in the Upper Church are also attributed to him.[4] In addition, he created a large panel painting (now divided into numerous pieces) for the church of Saint Francis al Prato in Perugia,[4] and several painted crosses.

Within his works Byzantine elements, particularly of iconography, are found with western forms of ornamentation and a use of colour that is far from Byzantine.

 

Giacobbe Giusti, Master of Saint Francis: Crucifix du Louvre (extrait)

MASTER of St Francis
Italian painter, Umbrian school (active c. 1260-1280 in Umbria)

The frescoes in the nave of the Lower Church in Assisi are regarded as the masterwork of the Master of St Francis. Unfortunately, half of each has been destroyed when the walls were broken through. These frescoes initiated the decoration in San Francesco around 1260. Before the eyes of the pilgrims visiting the saint’s tomb in the lower church, a pictorial program of an entirely new kind unfurled, juxtaposing five scenes from the Passion of Christ on the north wall (Preparation for the Crucifixion, Crucifixion, Deposition, Lamentation, Supper at Emmaus) with five scenes from the life of St Francis on the south wall (Renunciation of Worldly Goods, Dream of Pope Innocent III, St Francis Preaches to the Birds, St Francis Receives the Stigmata, Funeral of St Francis.

These murals were executed al secco, on dry plaster, using tempera paints in large sections. The artistic qualities of the paintings are difficult to judge as the works have been largely destroyed.

 

Giacobbe Giusti, Franziskusmeister: Der heilige Franziskus predigt den Vögeln, um 1260.

Meister des Heiligen Franziskus von Assisi oder Franziskusmeister (italienischMaestro di San Francesco) wird ein italienischer Maler unbekannten Namens genannt, der Fresken und womöglich Glasbilder im Gebiet um Perugia in UmbrienItalien kreierte. Er war aktiv zwischen 1260 und 1280.

Namensgebung

Seinen Notnamen erhielt der Franziskusmeister von dem Kunsthistoriker Henry Thode nach einem Bild in der Kirche Santa Maria degli Angeli in Assisi, das den Heiligen Franz von Assisi mit Engeln darstellt[1].

Werke und Stil

Werke des Franziskusmeister sind vor allem in der Basilika San Francesco in Assisizu sehen, beispielsweise ein Freskenzyklus im Schiff der Unterkirche mit fünf Szenen zur Passionsgeschichte Christi auf der rechten Seite und fünf Szenen aus dem Leben des Hl. Franziskus auf der linken Seite (diese wurden bei der späteren Öffnung der Seitenkapellen beschädigt).

Trotz der möglichen Assistenz von Fremden bei der Erstellung der Werke, scheinen diese doch von einem einzigen Künstler geplant worden zu sein und zeigen einen einheitlichen Stil. Sie basieren wahrscheinlich auf Nachahmungen des späten Giunta Pisano, aber zeigen auch Einflüsse anderer Künstler Umbriens wie zum Beispiel Rainaldetto di RanuccioSimeone und Machilone von Spoleto und Einflüsse zeitgenössischer Buchmalereien wie der Bibel von Giovanni da Gaibana von Padua.

Der Meister des Hl. Franziskus verkörpert einen wichtigen Aspekt der Verbindung italienischer und byzantinischer Ikonenmalerei verbunden mit Detailmalerei und Farben, die dem byzantinischen Stil fremd sind.

Einzelnachweise

  1.  H. Thode: Franz von Assisi und die Anfänge der Kunst der Renaissance in Italien. 2. verbesserte Auflage, G. Grote 1904

Literatur

Saskia Esser: Die Ausmalung der Unterkirche von San Francesco in Assisi durch den Franziskusmeister. Bonn 1983 (Bonn, Rheinische Friedrich-Wilhelms-Universität, Diss., 1983).

  • Elvio Lunghi: Una „copia“ antica dagli affreschi del maestro di San Francesco. In: Paragone. Arte. Bd. 40, 1989, ISSN 1120-4737, S. 12–29 (italienisch).
  • Joachim Poeschke: Der „Franziskusmeister“ und die Anfänge der Ausmalung von S. Francesco in Assisi. In: Mitteilungen des Kunsthistorischen Institutes in Florenz, Bd. 27, H. 2, ISSN 0342-1201, 1983, S. 125–170.
  • Jürgen Schultze: Zur Kunst des „Franziskusmeisters“. In: Wallraf-Richartz-Jahrbuch. 25, 1963, ISSN 0083-7105, S. 109–150.
  • Jürgen Schultze: Die Fresken in der Unterkirche von San Francesco zu Assisi und andere Werke des „Franziskusmeisters“. In: Raggi. Bd. 7, 1967 ZDB-ID 528282-2, S. 44–58.
  • Henry ThodeFranz von Assisi und die Anfänge der Kunst der Renaissance in Italien. 2. verbesserte Auflage. G. Grote, Berlin 1904.

https://de.wikipedia.org/wiki/Maestro_di_San_Francesco

https://www.wga.hu/frames-e.html?/html/m/master/francis/index.html

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Giacobbe Giusti, Palaestra at Olympia, Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

 

Giacobbe Giusti, Palaestra at Olympia, Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

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Giacobbe Giusti, Palaestra at Olympia, Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

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Giacobbe Giusti, Palaestra at Olympia, Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

Joanbanjo Own work

 

Giacobbe Giusti, Palaestra at Olympia, Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

Ruins of the palaestra at Olympia, Greece, from near the southeast corner.

 

The palaestra at Olympia is an ancient edifice in OlympiaGreece, part of the gymnasium at the sanctuary. It is a sixty-six metre by sixty-six metre, or 4345 metre square building that dates to the end of the 3rd or beginning of the 2nd century BC.

It is thought to be a building in ancient Greece that was devoted to the training of wrestlers and other athletes.

Architecture

The palaestra is oriented precisely to the cardinal points and is very symmetrical in plan. Like all palaestra, the palaestra at Olympia is centered on a large courtyard covered with sand for use as a boxing or wrestling surface. Along all four sides of the palaestra are rooms that opened onto the porticoes.

The building is entered through the south side through two separate doorways, each with Corinthian columns distyle in antis, thus immediately establishing symmetry within the plan of the structure. The doorways open into bench-lined vestibules leading to anterooms that open directly onto the southern portico. Between the two anterooms is a long, shallow hall lined with benches and faced with Ionic columns. This room is identified as the apodyterion, or undressing room, a space that would need to be close to the main entrance and have room for athletes and friends to meet.

Directly across from the apodyterion, along the north side of the palaestra is the ephebion, or clubroom. This large, colonnaded hall is deeper than the apodyterion but does not run the entire length of the courtyard. The entire north side of the palaestra has deep rooms, a feature mentioned by Vitruvius, which offered shelter from the sun. Also in the north side of the building is a doorway that leads directly into the rest of the adjoining gymnasium space. The room in the northeast corner of the palaestra is identified as a bathroom. The brick-lined, 4 meter square and 1.38 meter deep tank found here is dated to the Roman period, however.

An unusual feature of the palaestra is the 24.20 by 5.44 meter strip of concrete pavement on the north side of courtyard, which is formed with alternate bands of ribbed and smooth tiles arranged to create continuous ridges stretching the length of the pavement. This was probably a sort of bowling alley, as suggested by a similar pavement found at Pompeii with heavy stone balls on it.

It is not possible to say for what most of the other rooms lining the porticoes were used. Since Olympia had no resident population, the palaestra and gymnasium would not have included spaces for lectures or intellectual discourse and would have been used primarily by competitors in the sanctuary games. The stone benches found in six of rooms would certainly have been used by athletes and spectators rather than by intellectuals. The unidentified rooms of the palaestra would have included rooms such as the elaiothesion or oil store, the konisterion or dusting-room, rooms for storing athletic apparatus, and a few sphairisteria, which were rooms or open courts for ball play.

Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας
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Παλαίστρα Ολυμπίας

Giacobbe Giusti, Palaestra at Olympia, Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

GR-olympia-palaestra.jpg
Είδος gymnasium
Γεωγραφικές Συντεταγμένες 37°38′19″N 21°37′43″E
Διοικητική υπαγωγή Ολυμπία[1]
Χώρα Ελλάδα[2]
Προστασία κηρυγμένος αρχαιολογικός χώρος στην Ελλάδα

Η Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

Giacobbe Giusti, Palaestra at Olympia, Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

Η Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας

Η Παλαίστρα της Αρχαίας Ολυμπίας είναι ένα αρχαίο οικοδόμημα στην Ολυμπία, στην Ελλάδα, μέρος του γυμνασίου στο ιερό. Είναι ένα κτήριο εξήντα έξι τετραγωνικών μέτρων που χρονολογείται στα τέλη του τρίτου ή τις αρχές του 2ου αι. π.Χ. Είναι ένα κτήριο που στην Αρχαία Ελλάδα ήταν αφιερωμένο στην εκπαίδευση παλαιστών, πυγμάχων και άλλων αθλητών[3].

Τοποθεσία

βρίσκεται έξω από τον ιερό περίβολο της Άλτεως και χρονολογείται τον 3ο αιώνα π.Χ. Το κτίριο, που έχει σχήμα σχεδόν τετράγωνο, βρίσκεται νότια του Γυμνασίου και ανήκει στο ίδιο συγκρότημα[3].

Αρχιτεκτονική

Η παλαίστρα είναι προσανατολισμένη ακριβώς στα σημεία του ορίζοντα και έχει πολύ συμμετρική κάτοψη. Όπως όλες οι παλαίστρες, η παλαίστρα της Ολυμπίας είναι επικεντρωμένη γύρω από μια μεγάλη αυλή στρωμένη με άμμο, για χρήση ως επιφάνειας πυγμαχίας ή πάλης. Και οι τέσσερις πλευρές της παλαίστρας είχαν κιονοστοιχίες που δημιουργούσαν προστώα και δωμάτια[3].

Το κτίριο έχει πρόσβαση από τη νότια πλευρά με δύο ξεχωριστές εισόδους, κάθε μία με κορινθιακούς κίονες εν παραστάσι δίστυλοι, δημιουργώντας έτσι συμμετρία στο σχέδιο της κατασκευής. Οι πόρτες ανοίγουν σε διαδρόμους, επενδυμένους με πάγκους που οδηγούν σε προθαλάμους που επικοινωνούν απευθείας με το νότιο προστώο. Μεταξύ των δύο προθαλάμων υπάρχει μια μεγάλη, στενή αίθουσα επενδυμένη με παγκάκια και πρόσοψη με ιωνικούς κίονες. Αυτό το δωμάτιο έχει χαρακτηριστεί ως αποδυτήριο, ένα χώρο που θα πρέπει να είναι κοντά στην κύρια είσοδο και να έχει χώρο για τη συνάντηση των αθλητών και των φίλων. Ακριβώς απέναντι από το αποδυτήριο, κατά μήκος της βόρειας πλευράς της παλαίστρας είναι το εφηβείο ή η λέσχη[4]. Αυτή η μεγάλη, περίστυλη αίθουσα είναι βαθύτερη από ότι το αποδυτήριο, αλλά δεν τρέχει σε όλο το μήκος της αυλής. Ολόκληρη η βόρεια πλευρά της παλαίστρας έχει βαθιά δωμάτια[4], ένα χαρακτηριστικό που μνημονεύεται από τον Βιτρούβιο, τα οποία προσέφεραν καταφύγιο από τον ήλιο. Επίσης, στη βόρεια πλευρά του κτηρίου υπάρχει μια πόρτα που οδηγεί απευθείας στον υπόλοιπο της παρακείμενο χώρο του γυμναστηρίου.Το δωμάτιο στη βορειοανατολική γωνία της παλαίστρας αναγνωρίζεται ως το λουτρό. Το επενδυμένο με πλίνθους, τεσσάρων τετραγωνικών μέτρων και 1,38 μέτρα βάθους δεξαμενή που έχει ανασκαφεί εδώ χρονολογείται στη ρωμαϊκή περίοδο.

Ένα ασυνήθιστο χαρακτηριστικό της παλαίστρας είναι η 24.20Χ5,44 μέτρα ταινία του οδοστρώματος από συμπαγή κατασκευή στη βόρεια πλευρά της αυλής, η οποία διαμορφώνεται με εναλλασσόμενες ζώνες από ραβδωτά και λεία πλακίδια τοποθετημένα για να δημιουργούν συνεχείς εξάρσεις που εκτείνονται κατά μήκος του οδοστρώματος. Αυτό ήταν ίσως ένα είδος διαδρόμου ολίσθησης, όπως προτείνεται από ένα παρόμοιο διάδρομο που βρέθηκε στην Πομπηία με βαριές λίθινες σφαίρες πάνω σε αυτό.

Δεν είναι δυνατόν να πούμε με βεβαιότητα για τη χρήση των υπολοίπων δωματίων που περιέτρεχαν τα προστώα. Δεδομένου ότι στην Ολυμπία δεν υπήρχαν μόνιμοι κάτοικοι, η παλαίστρα και το γυμνάσιο δεν θα προορίζονταν ως χώροι για διαλέξεις ή για διάλογο και θα είχαν χρησιμοποιηθεί κατά κύριο λόγο από τους αθλητές στους ιερούς αγώνες. Τα λίθινα παγκάκια που βρέθηκαν σε έξι από τα δωμάτια είναι βέβαιο ότι προορίζονταν για τους αθλητές και τους θεατές. Τα δωμάτια αγνώστων στοιχείων της παλαίστρας θα περιλάμβαναν αίθουσες όπως το ελαιοθεσίο, το κονιστήριον, αίθουσες για την αποθήκευση αθλητικού εξοπλισμού, και μερικά σφαιριστήρια, τα οποία ήταν τα δωμάτια ή ανοιχτά γήπεδα για παιχνίδια με μπάλα.

Η Παλαίστρα αποκαλύφθηκε και ερευνήθηκε κατά τις νεότερες γερμανικές ανασκαφές. Από το μνημείο σώζονται μόνο τα κατώτερα τμήματα, ενώ σήμερα έχουν αναστηλωθεί οι 32 από τους 72 κίονες του εσωτερικού περιστυλίου της αυλής.

Σύμφωνα με τον Παυσανία

[6-21.2] …….ἐν ἀριστερᾷ τῆς ἐσόδου τῆς ἐς τὸ γυμνάσιον, καὶ αἱ παλαῖστραι τοῖς ἀθληταῖς εἰσιν ἐνταῦθα: τῆς στοᾶς δὲ τῆς πρὸς ἀνίσχοντα ἥλιον τοῦ γυμνασίου προσεχεῖς τῷ τοίχῳ τῶν ἀθλητῶν εἰσιν αἱ οἰκήσεις, ἐπί τε ἄνεμον τετραμμέναι Λίβα καὶ ἡλίου δυσμάς.. – Παυσανίου Ἑλλάδος Περιήγησις 6. Ἠλιακῶν Β’ [5]

[6-21.2] ……Στ’ αριστερά της εισόδου του γυμνασίου, υπάρχει ένας μικρότερος χώρος κλεισμένος, όπου είναι οι παλαίστρες των αθλητών. Τα σπίτια των αθλητών βλέπουν προς τον άνεμο Λίβα και προς τη δύση και βρίσκονται στον ανατολικό τοίχο της στοάς του γυμνασίου.

Έκθεση φωτογραφιών

Φωτογραφίες
Η παλαίστρα σήμερα. 
Η παλαίστρα σήμερα .
Η παλαίστρα σήμερα. 
Η παλαίστρα σήμερα. 
Η παλαίστρα σήμερα. 
Η παλαίστρα σήμερα. 
Η παλαίστρα σήμερα. 
Η παλαίστρα σήμερα. 

Παραπομπές

Πηγές

  • Νικόλαος Καλτσάς, Ολυμπία, Υπουργείο Πολιτισμού, Ταμείο Αρχαιολογικών Πόρων και Απαλλοτριώσεων, Αθήνα 2005

Εξωτερικοί Σύνδεσμοι]

 

https://el.wikipedia.org/wiki/%CE%A0%CE%B1%CE%BB%CE%B1%CE%AF%CF%83%CF%84%CF%81%CE%B1_%CF%84%CE%B7%CF%82_%CE%91%CF%81%CF%87%CE%B1%CE%AF%CE%B1%CF%82_%CE%9F%CE%BB%CF%85%CE%BC%CF%80%CE%AF%CE%B1%CF%82

https://en.wikipedia.org/wiki/Palaestra_at_Olympia

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Giacobbe Giusti, Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

Giacobbe Giusti, Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

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Giacobbe Giusti, Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

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Giacobbe Giusti, Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola sont le seul groupe monumental équestre en bronze doré de la civilisation romaine qui s’est conservé jusqu’à nos jours. Il est composé de deux chevaliers (de l’un desquels il ne reste que peu de fragments), deux chevaux et deux femmes debout.

Découverte

Quelques centaines de fragments en bronze doré, pesant plusieurs centaines de kilos, furent découverts par hasard entre juin et juillet 1946 à Santa Lucia di Calamello, dans la paroisse de Cartoceto di Pergola(province de Pesaro et Urbino), un village des Marches, en Italie. La découverte fut signalée par le chanoine Giovanni Vernarecci, qui était à l’époque inspecteur archéologique de Fossombrone. Grâce à son témoignage dactylographié nous connaissons les circonstances fortuites de la découverte et de son effectuation en état d’urgence. La récupération des pièces a été effectuée par Vernarecci et Nereo Alfieri, inspecteur de la “Soprintendenza alle antichità delle Marche” (Direction des antiquités des Marches).

La restauration a été accomplie en plusieurs phases entre 1949 et 1988et a permis de recomposer les 318 fragments en quatre personnages, dont deux masculins montés et deux féminins debout.

Emplacement origine

Le groupe a été découvert en dehors d’un contexte urbain, pas très loin de l’intersection de la via Flaminia et de la via Salaria Gallica. Le lieu de la découverte, isolé et marginal dans le contexte historique ancien, fait penser que le groupe a été déplacé de son emplacement originel et déposé dans un débarras dans l’Antiquité tardive ou au Moyen Âge byzantin ; selon certains, à cause d’une damnatio memoriae. Le lieu de l’emplacement originel est toujours douteux. L’hypothèse la plus crédible est que le groupe reposait sur un socle dans le terrain publique (peut-être le forum) d’une des villes romaines voisines du lieu de la découverte : “Forum Sempronii” (Fossombrone), la plus proche, “Sentinum” (Sassoferrato), où l’existence d’une fonderie de grandes statues est attestée, ou bien “Suasa“, car de gros fragments d’un cheval semblable en bronze doré, conservés au Walters Art Museum de BaltimoreÉtats-Unis, viennent de cette ville.

Identifications

Le groupe est composé de deux chevaliers, deux femmes et deux chevaux. Tous les personnages appartenaient apparemment à une même famille de rang sénatorial. L’identification des personnages est douteuse et plusieurs hypothèses se sont succédé. Au début on identifiait le groupe à la famille impériale des Julio-Claudiens, en datant les statues entre l’an 20 et l’an 30. On interprétait les chevaliers comme les fils de Germanicus (Néron Caesar et Drusus III), les femmes comme Livia Drusilla et Agrippine l’Aînée.

Actuellement, l’hypothèse la plus crédible fait remonter les statues à l’âge de César, entre l’an -50 et l’an -30, et identifie les personnages à des membres d’une prestigieuse famille liée au territoire de la découverte, l’Ager Gallicus. Au-dedans de cet encadrement historique les hypothèses sont toujours plurielles : les plus importantes voient dans les statues, d’un côté la famille des Domitii Ahenobarbi, de l’autre le couple composée de Marcus Satrius(sénateur et patron de Sentinum) et Lucius Minucius Basilus (un futur assassin de César venant de Cupra Maritima, l’actuelle Cupra Marittima).

Selon une autre hypothèse le groupe était placé, à l’origine, dans l’exèdre de l’Héraïon de Samos, et les personnages appartiennent à la famille de Cicéron : cette thèse identifie le chevalier à Cicéron lui-même.

Le chevalier
Le chevalier le mieux conservé est un homme âgé d’environ quarante ans, dont les vêtements (paludamentum et tunique) l’identifient à un militaire de haut rang en temps de paix : cette circonstance est confirmée par le bras droit levé en signe de paix. De l’autre chevalier il ne reste que peu de fragments.
La femme
La femme est représentée d’un âge avancé, et la coiffure hellénistique (typique de la seconde moitié du Ier siècle av. J.-C.) a permis d’attribuer au groupe une date antérieure. La femme est habillée d’une étole et d’une palla. Les personnages féminins aussi présentent un état de conservation divers : tandis qu’une femme est presque entière, de l’autre on n’a trouvé que la part de la ceinture jusqu’aux pieds.
Les chevaux
Les chevaux sont en marche avec un patte de devant levée. Le poitrail est décoré de triton et néréidecheval marin et dauphins. Les harnachements sont ornés de phalères métalliques sur lesquelles, en fonction protectrice, apparaissent plusieurs dieux : JupiterVénusMarsJunonMinerveMercure.

Technique et matériaux

La technique de fonte est à cire perdue indirecte ; l’alliage utilisé est de cuivre avec des traces de plomb. Après la fonte on a appliqué une dorure à la feuille.

La querelle

Pour son extraordinaire importance archéologique, le groupe a été objet d’une longue et violente querelle entre la “Soprintendenza per i Beni Archeologici delle Marche” (Direction des Biens Archéologiques des Marches) et la commune de Pergola pour la prise en garde des statues et leur détention (au Musée archéologique national d’Ancône ou au Musée des bronzes dorés et de la ville de Pergola). Maintenant on est arrivé à un compromis, selon lequel les bronzes originaux et une copie exacte sont detenus à tour de rôle par les deux musées. Une autre copie représentant les bronzes dans leur splendeur originale est située sur le toit du palais Ferretti (le siège du Musée archéologique national) comme symbole de l’archéologie des Marches.

Bibliographie

Articles connexes

  1. (en) (it) Musée des Bronzes dorés de la ville de Pergola [archive]
  2. (it) Soprintendenza per i Beni Archeologici delle Marche [archive]

卡爾托切托-佩爾戈拉的鍍金銅像

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Giacobbe Giusti, Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

卡爾托切托-佩爾戈拉的鍍金銅像

卡爾托切托-佩爾戈拉的鍍金銅像古羅馬朱里亞·克勞狄王朝時代唯一倖存至今的用鎏金青銅打造而成的士兵騎馬銅像組。銅像中共有兩匹,其中一匹馬被一名中年騎士騎著,另一匹馬的騎士則早已損毀。騎士左邊站著一位蒼老的婦女

發現與修復

Giacobbe Giusti, Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

騎士特寫

在1946年的6月和7月間,一群考古團隊義大利佩薩羅-烏爾比諾省境內的卡爾托切托市意外發現數以百計的鍍金青銅碎片,共重達數百公斤。

考古團隊將這些鍍金青銅碎片送往卡爾托切托市的古文物維護中心保存。[1]1949年考古團隊開始將這共計318片的青銅組裝起來[2],至1988年才組裝成現今的模樣,前後歷時39年。[3][4]

鑑定

經過鑑定小組確認,卡爾托切托-佩爾戈拉的鍍金銅像最原始的造型應該是兩匹馬、兩名騎士和兩名婦女。這組銅雕被認為可能是屬於某位羅馬參議員家族的銅雕。也有人認為,這組銅像誕生的日期極有可能是公元2030年,所以刻的人物有可能是尼祿和他的家人。[5]

經過更進一步的假設,卡爾托切托-佩爾戈拉的鍍金銅像本來可能是預定要放置在薩摩斯島上的一座神廟。[6]

銅雕中的人物

Giacobbe Giusti, Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

婦女特寫

騎士

共有兩名騎士,其中保存完好的騎士年齡約40歲左右,另一名騎士只剩下無數的碎片。兩名騎士可能是在古羅馬和平時期中一位高級軍事官員。[7]

婦女

共有兩名婦女,其中有一名婦女的銅雕已無法修復。[8]

馬匹

共有兩匹,且都保存完善。兩匹馬的姿勢可以看出牠們正在步行,馬的脖子上掛有羅馬神話諸神的串珠。

雕刻技術與材質

卡爾托切托-佩爾戈拉的鍍金銅像是用失蠟法來製造出形體,並在形體上鍍金和貼上金箔[9][10]

參見

參考文獻

  1. ^ Greco, G. (1987). Bronzi dorati da Cartoceto: un restauro (Cantini).
  2. ^ Bearzi, B. (1960). Relazione tecnica sui restauri dei bronzi. Bollettino d’arte, 1960, 42-44
  3. ^ Callieri, M., Cignoni, P., Scopigno, R., Gori, G., & Risaliti, M. (2006). Beyond manual drafting: a restoration-oriented system. Journal of Cultural Heritage7(3), 214-226.
  4. ^ Del Francia, P. R. (1988). Bronze Restoration Techniques: Riace and Cartoceto. Galvanotecnica39(11), 275-277.
  5. ^ Flory, M. B. (1993). Livia and the History of Public Honorific Statues for Women in Rome. TAPA123, 287-308.
  6. ^ di Caprio, N.C. (2007). Ceramica in archeologia (L’Erma di Bretschneider).
  7. ^ Kleiner, F. S. (1990). Il gruppo bronzeo tiberiano da Cartoceto. American Journal of Archaeology94(3), 514-515.
  8. ^ Kousser, R. (2008). Hellenistic and Roman Ideal Sculpture: The Allure of the Classical (Cambridge University Press).
  9. ^ Rolley, C. (1998). Les bronzes grecs et romains: recherches récentes. Revue archéologique, 291-310.
  10. ^ Nastasi, I. Utilizzo delle tecniche diagnostiche per lo studio di reperti archeologici. (Tesionline).

外部連結

Giacobbe Giusti, Les bronzes dorés de Cartoceto di Pergola

The Gilt Bronzes from Cartoceto di Pergola.

The Gilt Bronzes from Cartoceto di Pergolaare the only surviving Roman gilt bronzeequestrian group. The monumental ensemble was composed of at least two knights, of which only one remains, atop their horses, and two women standing.

Because of its extraordinary archaeological importance, the group has been at the centre of a long controversy between the Soprintendenza per i Beni Archeologici delle Marche and the municipality of Pergola over the location where the bronzes would be preserved. The group was on display at the National Archeological Museum of the Marche, in Ancona, until 1972,[1] when it was moved to the Museo dei Bronzi dorati della città di Pergola, built specifically for this purpose. A compromise solution now moves the original bronzes and replicas between the two sites.

Discovery and restoration

In June and July 1946, hundreds of gilt bronze fragments, weighing hundreds of kilograms, were accidentally discovered in Santa Lucia di Calamello, in Cartoceto di Pergola (Province of Pesaro and Urbino), central Italy. Canon Giovanni Vernarecci, who was at the time the archaeological inspector for the district of Fossombrone, detailed the circumstances of his fortuitous discovery in a typewritten account.

The bronzes were recovered by Vernarecci and Nereo Alfieri, who was the Marche regional inspector of the governmental antiquity department (Soprintendenza alle Antichità delle Marche). 318 fragments were placed together in an attempt to recreate the original statues,[2] and the group was restored in several spurts between 1949 and 1988.[3][4][5]

Original placement of the group

The fragments were uncovered not far from the intersection of the Via Flaminia and the Via Salaria Gallica, which is an isolated location, far from urban centres. This unusual collocation has led archaeologists to conjecture that the group was likely removed from its original position and set aside sometime in late antiquity or in Byzantine times — some suggesting that this may have been the result of a damnatio memoriae.[6]

The bronzes’ original placement in an urban context is still uncertain. The most accepted hypothesis suggests that the group may have originally rested on a base in some public area (probably the forum of a Roman city near the discovery site). Notable candidates are the Forum Sempronii (Fossombrone),[7] which was closest, Sentinum(Sassoferrato), where the existence a foundry for large statues has been attested, or Suasa, because other large fragments of a similar gilt bronze horse were found there (on display at the Walters Art Museum in Baltimore, see photos [1] and [2]).

Identification

The group is composed of two horsemen, two women, and two horses. The characters represented likely belonged to a single family of senatorial rank, but certain identification of the subjects has eluded archaeologists. Some have proposed that the group may depict the imperial family of the Julio-Claudian dynasty, which would date the statues to 20-30 AD; the horsemen are thought to be Nero Caesar and Drusus III, sons of Germanicus, while the women would be Livia Drusilla (Germanicus’ grandmother) and Agrippina the Elder(Germanicus’ wife).[8]

More likely, however, the statues date between 50 and 30 BC and depict members of a prestigious legate‘s family from the territory in which they were discovered, the Ager Gallicus. Several candidate families have been proposed, including that of Domitius Ahenobarbus, as well as those of Marcus Satrius (senator representing Sentinum) and Lucius Minucius Basilus (born in nearby Cupra Maritima, modern Cupra Marittima, and amidst the senators who killed Julius Caesar).[9]

A further hypothesis proposes that the group may have originally been placed in the Heraion of Samos Island, and that the subjects are the family of Marcus Tullius Cicero, who would be one of the horsemen.[10]

Horsemen
The best-preserved horseman is a mature man (about 40 years of age), whose clothes (the paludamentum and tunic) identify him as a high-ranking military officer in time of peace, consistent with the position of the right arm, raised in the symbol of peace.[11]Fragments only remain of the other horseman.
Women
The surviving standing figure depicts an elderly woman, whose hellenistic hairstyle, typical of the second half of the first century, suggests dating the group accordingly.[12] The woman wears a stole and palla. The other female figure is substantially less preserved, as only the lower portions of her body have survived.
Horses
The horses are presented with a raised front leg, which suggests a walking motion. The figures of a triton and a nereid, alongside seahorses and dolphins, adorn each pectoral plate. The harnesses are enriched by metal phaleras on which images of various gods are placed to protect the steed and its owner, including JupiterVenusMarsJunoMinerva, and Mercury.

Techniques and materials

The statues were made by using the lost-wax casting method and are composed primarily of a copper alloy with traces of lead; After assembly, the statues were gilded with gold leaf.[13][14]

A replica intended to reproduce the bronzes’ original state is displayed on the roof of the Palazzo Ferretti (site of the National Archaeological Museum of the Marche) in celebration of local archaeology.

References

  1. ^ Stucchi, S. (1960). Gruppo bronzeo di cartoceto gli elementi al museo di Ancona. Bollettino d’Arte 4(J5), 7-44.
  2. ^ Greco, G. (1987). Bronzi dorati da Cartoceto: un restauro (Cantini).
  3. ^ Bearzi, B. (1960). “Relazione tecnica sui restauri dei bronzi”. Bollettino d’arte1960: 42–44.
  4. ^ Callieri, M.; Cignoni, P.; Scopigno, R.; Gori, G.; Risaliti, M. (2006). “Beyond manual drafting: a restoration-oriented system”. Journal of Cultural Heritage7 (3): 214–226. doi:10.1016/j.culher.2006.06.002.
  5. ^ Del Francia, P. R. (1988). “Bronze Restoration Techniques: Riace and Cartoceto”. Galvanotecnica39 (11): 275–277.
  6. ^ Archeologia nelle Marche, Mario Luni, 2003, ISBN 88-392-0744-9
  7. ^ Luni, M. (2007). Domus di Forum Sempronii: decorazione e arredo(L’Erma di Bretschneider).
  8. ^ Flory, M. B. (1993). “Livia and the History of Public Honorific Statues for Women in Rome”. TAPA123: 287–308.
  9. ^ Del Francia, P. R. (1979). The equestrian group from Cartoceto. The Horses of San Marco, Venice, 42-43.
  10. ^ di Caprio, N.C. (2007). Ceramica in archeologia (L’Erma di Bretschneider).
  11. ^ Kleiner, F. S.; Stucchi, Sandro (1990). “Il gruppo bronzeo tiberiano da Cartoceto”. American Journal of Archaeology94 (3): 514–515. doi:10.2307/505828JSTOR 505828.
  12. ^ Kousser, R. (2008). Hellenistic and Roman Ideal Sculpture: The Allure of the Classical (Cambridge University Press).
  13. ^ Rolley, C. (1998). Les bronzes grecs et romains: recherches récentes. Revue archéologique, 291-310.
  14. ^ Nastasi, I. Utilizzo delle tecniche diagnostiche per lo studio di reperti archeologici. (Tesionline).

https://en.wikipedia.org/wiki/Gilt_Bronzes_from_Cartoceto_di_Pergola

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Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

 

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

 

 

 

Abbey of San Galgano
Abbazia di San Galgano (in Italian)

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

Abbazia di San Galgano.jpg

Interior of the abbey
Religion
Affiliation Catholic
Province Archdiocese of Siena-Colle di Val d’Elsa-Montalcino
Rite Roman Rite
Location
Location Chiusdino, Italy
Geographic coordinates 43°8′57.87″N11°9′20.26″ECoordinates43°8′57.87″N 11°9′20.26″E
Architecture
Architectural style Italian Gothic
Groundbreaking 1218

The Abbey of Saint Galgano was a CistercianMonastery found in the volley of the river Merse between the towns of Chiusdino and Monticiano, in the province of Siena, region of Tuscany, Italy. Presently, the roofless walls of the Gothic style 13th-century Abbey church still stand. Nearby are the chapel or Eremo orRotonda di Montesiepi(1185), the tomb of Saint Galgano and the purported site of his death in 1181, the sword said to have been planted in the ground by Galgano and a chapel with frescoes by Ambrogio Lorenzetti.

History

The abbey formed around the site of the former hermitage of Galgano Guidotti (San Galgano), and construction of the church began around 1220, and was completed some six decades later. The abbey grew in wealth and became allied with the Republic of Siena. Monks from the abbey routinely served as Camarlinghi di Biccherna.[1]

However within a century, the republic failed to protect it from roving condottieri, and John Hawkwood and his men despoiled the monastery beginning in 1363. By the end of the 14th-century, only the abbot remained in the monastery.[2]

The impoverished and decaying abbey sputtered along for nearly four centuries. Cardinal Giuseppe Maria Feroni was abbot from 1765 to 1767. In 1786, the campanile fell, taking with it the roof of the church. The ruins were looted for building material. Some restorations occurred in the 19th and 20th; but the church remains only a magnificent shell among the wooded valley. The long tall nave with its windows and an apse rose window still stand. The abbey’s chapter house and part of the scriptorium also remain.

The Rotonda chapel was restored in 1924 and retains its peculiar medieval shape, recalling imperfectly earlier Ancient Roman mausoleums.[3][4]

Popular culture

The abbey was the location where parts of Andrei Tarkovsky‘s 1983 film Nostalghia were shot.[5]

Gallery

Giacobbe Giusti, SWORD IN THE STONE, Abbey of San Galgano

References

  1. ^ Siena: The Story of Mediaeval Commune, by Ferdinand Schevill, page 375.
  2. ^ Schevill, page 379.
  3. ^ The Story of Siena and San Gimignano, by Edmund Garratt Gardner, page 313.
  4. ^ Pro Loco Chiusdino, tourism site for commune.
  5. ^ Filming locations of Nostalghia at the Internet Movie Database

 

https://it.wikipedia.org/wiki/Abbazia_di_San_Galgano

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Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

 

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Dido and Aeneas, from a Roman fresco, Pompeian Third Style (10 BC – 45 AD), Pompeii, Italy

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

 

Aeneas carrying Anchises, black-figured oinochoe, ca. 520–510 BC, Louvre (F 118)

 

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

 

 

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Painting Venus and Anchises by William Blake Richmond (1889 or 90)

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Aeneas flees burning TroyFederico Barocci, 1598 (Galleria Borghese, Rome, Italy)

In Greco-RomanmythologyAeneas(/ɪˈnəs/;[1] Greek: Αἰνείας, Aineías, possibly derived from Greek αἰνήmeaning “praised”) was a Trojan hero, the son of the prince Anchises and the goddess Aphrodite(Venus). His father was a first cousin of King Priam of Troy (both being grandsons of Ilus, founder of Troy), making Aeneas a second cousin to Priam’s children (such as Hectorand Paris). He is a character in Greek mythology and is mentioned in Homer‘s Iliad. Aeneas receives full treatment in Roman mythology, most extensively in Virgil‘s Aeneid, where he is cast as an ancestor of Romulus and Remus. He became the first true hero of Rome. Snorri Sturluson identifies him with the Norse Æsir Vidarr.[2]

Name

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Coinage of Aenea, with portrait of Aeneas. Circa 510–480 BC.

Aeneas is the Latin spelling of Greek Αἰνείας (Aineías). In the Homeric Hymn to Aphrodite, Aeneas is first introduced with Aphrodite naming him Αἰνείας (Aineías) for the αὶνóν ἄχος (“terrible grief”) he caused her, where Aineías derives from the adjective αὶνóν (ainon, meaning “terrible”).[3] It is a popular etymology for the name, apparently exploited by Homer in the Iliad.[4] Later in the Medieval period there were writers who held that, because the Aeneid was written by a philosopher it is meant to be read philosophically.[5] As such, in the “natural order”, the meaning of Aeneas’ name combines Greek ennos (“dweller”) and demas (“body”), which becomes ennaios, meaning “in-dweller” (i.e. as a god inhabiting a mortal body).[6]However, there is no certainty regarding the origin of his name.

Epithets

In imitation of the Iliad, Virgil borrows epithets of Homer, including; Anchisiades, magnanimummagnusheros, and bonus. Though he borrows many, Virgil gives Aeneas two epithets of his own in the Aeneid: pater and pius. The epithets applied by Virgil are an example of an attitude different from that of Homer, for whilst Odysseus is poikilios (“wily”), Aeneas is described as pius (“pious”), which conveys a strong moral tone. The purpose of these epithets seems to enforce the notion of Aeneas’ divine hand as father and founder of the Roman race, and their use seem circumstantial: when Aeneas is praying he refers to himself as pius, and is referred to as such by the author only when the character is acting on behalf of the gods to fulfill his divine mission. Likewise, Aeneas is called pater when acting in the interest of his men.[7]

Greek myth and epos

Homeric Hymn to Aphrodite

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Painting Venus and Anchises by William Blake Richmond (1889 or 90)

The story of the birth of Aeneas is told in the “Hymn to Aphrodite”, one of the major Homeric Hymns. Aphrodite has caused Zeus to fall in love with mortal women. In retaliation, Zeus puts desire in her heart for Anchises, who is tending his cattle among the hills near Mount Ida. When Aphrodite sees him she is smitten. She adorns herself as if for a wedding among the gods and appears before him. He is overcome by her beauty, believing that she is a goddess, but Aphrodite identifies herself as a Phrygian princess. After they make love, Aphrodite reveals her true identity to him and Anchises fears what might happen to him as a result of their liaison. Aphrodite assures him that he will be protected, and tells him that she will bear him a son to be called Aeneas. However, she warns him that he must never tell anyone that he has lain with a goddess. When Aeneas is born, Aphrodite takes him to the nymphs of Mount Ida. She directs them to raise the child to age five, then take him to Anchises.[8] According to other sources, Anchises later brags about his encounter with Aphrodite, and as a result is struck in the foot with a thunderbolt by Zeus. Thereafter he is lame in that foot, so that Aeneas has to carry him from the flames of Troy.[9]

Homer’s Iliad

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Aeneas carrying Anchises, black-figured oinochoe, ca. 520–510 BC, Louvre (F 118)

Aeneas is a minor character in the Iliad, where he is twice saved from death by the gods as if for an as-yet-unknown destiny, but is an honorable warrior in his own right. Having held back from the fighting, aggrieved with Priam because in spite of his brave deeds he was not given his due share of honour, he leads an attack against Idomeneus to recover the body of his brother-in-law Alcathous at the urging of Deiphobus.[10] He is the leader of the Trojans’ Dardanian allies, as well as a second cousin and principal lieutenant of Hector, son of the Trojan king Priam. Aeneas’s mother Aphroditefrequently comes to his aid on the battlefield, and he is a favorite of Apollo. Aphrodite and Apollo rescue Aeneas from combat with Diomedes of Argos, who nearly kills him, and carry him away to Pergamos for healing. Even Poseidon, who normally favors the Greeks, comes to Aeneas’s rescue after he falls under the assault of Achilles, noting that Aeneas, though from a junior branch of the royal family, is destined to become king of the Trojan people. Bruce Louden presents Aeneas as a “type” in the tradition of UtnapishtimBaucis and Philemon, and Lot; the just man spared the general destruction.[11]Apollodorus explains that “…the Greeks let him alone on account of his piety”.[12]

Other sources

The Roman mythographer Gaius Julius Hyginus (c. 64 BCE – CE 17) in his Fabulae[13] credits Aeneas with killing 28 enemies in the Trojan War. Aeneas also appears in the Trojan narratives attributed to Dares Phrygius and Dictys of Crete

Roman myth and literature

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Aeneas and Anchises

The history of Aeneas was continued by Roman authors. One influential source was the account of Rome’s founding in Cato the Elder‘s Origines.[14]The Aeneas legend was well known in Virgil’s day and appeared in various historical works, including the Roman Antiquities of the Greek historian Dionysius of Halicarnassus (relying on Marcus Terentius Varro), Ab Urbe Condita by Livy (probably dependent on Quintus Fabius Pictor, fl. 200 BCE), and Gnaeus Pompeius Trogus (now extant only in an epitome by Justin).

Virgil’s Aeneid

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Venus as Huntress Appears to Aeneas, by Pietro da Cortona

The Aeneid explains that Aeneas is one of the few Trojans who were not killed or enslaved when Troy fell. Aeneas, after being commanded by the gods to flee, gathered a group, collectively known as the Aeneads, who then traveled to Italy and became progenitors of Romans. The Aeneads included Aeneas’s trumpeter Misenus, his father Anchises, his friends AchatesSergestus, and Acmon, the healer Iapyx, the helmsman Palinurus, and his son Ascanius (also known as Iulus, Julus, or Ascanius Julius). He carried with him the Lares and Penates, the statues of the household gods of Troy, and transplanted them to Italy.

Several attempts to find a new home failed; one such stop was on Sicily, where in Drepanum, on the island’s western coast, his father, Anchises, died peacefully.

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Aeneas tells Dido about the fall of Troy, by Pierre-Narcisse Guérin

After a brief but fierce storm sent up against the group at Juno‘s request, Aeneas and his fleet made landfall at Carthage after six years of wanderings. Aeneas had a year-long affair with the Carthaginian queen Dido(also known as Elissa), who proposed that the Trojans settle in her land and that she and Aeneas reign jointly over their peoples. A marriage of sorts was arranged between Dido and Aeneas at the instigation of Juno, who was told that her favorite city would eventually be defeated by the Trojans’ descendants. Aeneas’s mother Venus (the Roman adaptation of Aphrodite) realized that her son and his company needed a temporary respite to reinforce themselves for the journey to come. However, the messenger god Mercury was sent by Jupiter and Venus to remind Aeneas of his journey and his purpose, compelling him to leave secretly. When Dido learned of this, she uttered a curse that would forever pit Carthage against Rome, an enmity that would culminate in the Punic Wars. She then committed suicide by stabbing herself with the same sword she gave Aeneas when they first met.

After the sojourn in Carthage, the Trojans returned to Sicily where Aeneas organized funeral games to honor his father, who had died a year before. The company traveled on and landed on the western coast of Italy. Aeneas descended into the underworld where he met Dido (who turned away from him to return to her husband) and his father, who showed him the future of his descendants and thus the history of Rome.

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Aeneas defeats Turnus, by Luca Giordano, 1634–1705. The genius of Aeneas is shown ascendant, looking into the light of the future, while that of Turnus is setting, shrouded in darkness

Latinus, king of the Latins, welcomed Aeneas’s army of exiled Trojans and let them reorganize their lives in Latium. His daughter Lavinia had been promised to Turnus, king of the Rutuli, but Latinus received a prophecy that Lavinia would be betrothed to one from another land — namely, Aeneas. Latinus heeded the prophecy, and Turnus consequently declared war on Aeneas at the urging of Juno, who was aligned with King Mezentius of the Etruscansand Queen Amata of the Latins. Aeneas’s forces prevailed. Turnus was killed, and Virgil’s account ends abruptly.

Other sources

The rest of Aeneas’s biography is gleaned from other ancient sources, including Livy and Ovid’s Metamorphoses. According to Livy, Aeneas was victorious but Latinus died in the war. Aeneas founded the city of Lavinium, named after his wife. He later welcomed Dido’s sister, Anna Perenna, who then committed suicide after learning of Lavinia’s jealousy. After Aeneas’s death, Venus asked Jupiter to make her son immortal. Jupiter agreed. The river god Numicus cleansed Aeneas of all his mortal parts and Venus anointed him with ambrosia and nectar, making him a god. Aeneas was recognized as the god Jupiter Indiges.[15]

Medieval accounts

Snorri Sturlason in the Prologue of The Edda, tells of the world as parted in three continentsAfricaAsia and the third part called Europeor Enea.[2][16] Snorri also tells of a Trojan named Munon or Menon, who marries the daughter of the High King (Yfirkonungr) Priam called Troan and travels to distant lands, marries the Sybil and got a son, Tror, who, as Snorri tells, is identical to Thor. This tale resemble some episodes of the Aeneid.[17] Continuations of Trojan matter in the Middle Ages had their effects on the character of Aeneas as well. The 12th-century French Roman d’Enéas addresses Aeneas’s sexuality. Though Virgil appears to deflect all homoeroticism onto Nisus and Euryalus, making his Aeneas a purely heterosexual character, in the Middle Ages there was at least a suspicion of homoeroticism in Aeneas. The Roman d’Enéas addresses that charge, when Queen Amata opposes Aeneas’s marrying Lavinia, claiming that Aeneas loved boys.[18]

Medieval interpretations of Aeneas were greatly influenced by both Virgil and other Latin sources. Specifically, the accounts by Dares and Dictys, which were reworked by 13th-century Italian writer Guido delle Colonne (in Historia destructionis Troiae), colored many later readings. From Guido, for instance, the Pearl Poet and other English writers get the suggestion[19] that Aeneas’s safe departure from Troy with his possessions and family was a reward for treason, for which he was chastised by Hecuba.[20] In Sir Gawain and the Green Knight (late 14th century) the Pearl Poet, like many other English writers, employed Aeneas to establish a genealogy for the foundation of Britain,[19] and explains that Aeneas was “impeached for his perfidy, proven most true” (line 4).[21]

Family and legendary descendants

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Aeneas and the god Tiber, by Bartolomeo Pinelli

Aeneas had an extensive family tree. His wet-nurse was Caieta,[22] and he is the father of Ascanius with Creusa, and of Silvius with Lavinia. Ascanius, also known as Iulus(or Julius),[23] founded Alba Longa and was the first in a long series of kings. According to the mythology outlined by Virgil in the Aeneid, Romulus and Remus were both descendants of Aeneas through their mother Rhea Silvia, making Aeneas the progenitor of the Roman people.[24] Some early sources call him their father or grandfather,[25] but considering the commonly accepted dates of the fall of Troy (1184 BC) and the founding of Rome (753 BC), this seems unlikely. The Julian family of Rome, most notably Julius Cæsar and Augustus, traced their lineage to Ascanius and Aeneas,[26] thus to the goddess Venus. Through the Julians, the Palemonids make this claim. The legendary kings of Britain – including King Arthur – trace their family through a grandson of Aeneas, Brutus.[27]

Character and appearance

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Dido and Aeneas, from a Roman fresco, Pompeian Third Style (10 BC – 45 AD), Pompeii, Italy

Aeneas’s consistent epithet in Virgil and other Latin authors is pius, a term that connotes reverence toward the gods and familial dutifulness.

In the Aeneid, Aeneas is described as strong and handsome, but neither his hair colour nor complexion are described.[28] In late antiquity however sources add further physical descriptions. The De excidio Troiae of Dares Phrygius describes Aeneas as ‘‘auburn-haired, stocky, eloquent, courteous, prudent, pious, and charming.’’[29]There is also a brief physical description found in 6th century AD John Malalas‘ Chronographia: ‘‘Aeneas: short, fat, with a good chest, powerful, with a ruddy complexion, a broad face, a good nose, fair skin, bald on the forehead, a good beard, grey eyes.’’[30]

Literature

Aeneas and Dido are the main characters of a 17th-century broadsideballad called “The Wandering Prince of Troy.” The ballad ultimately alters Aeneas’s fate from traveling on years after Dido’s death to joining her as a spirit soon after her suicide.[31]

In modern literature, Aeneas is the speaker in two poems by Allen Tate, “Aeneas at Washington” and “Aeneas at New York.” He is a main character in Ursula K. Le Guin‘s Lavinia, a re-telling of the last six books of the Aeneid told from the point of view of Lavinia, daughter of King Latinus of Latium.

Aeneas appears in David Gemmell‘s Troy series as a main heroic character who goes by the name Helikaon.

In Rick Riordan‘s book series, The Heroes of Olympus, Aeneas is regarded as the first Roman demigod, son of Venus rather than Aphrodite.

Opera, film and other media

Aeneas is a title character in Henry Purcell‘s opera Dido and Aeneas(c. 1688), and one of the principal roles in Hector Berlioz‘ opera Les Troyens (c. 1857). Canadian composer James Rolfe composed his opera Aeneas and Dido (2007; to a libretto by André Alexis) as a companion piece to Purcell’s opera.

Despite its many dramatic elements, Aeneas’s story has generated little interest from the film industry. Portrayed by Steve Reeves, he was the main character in the 1961 sword and sandal film Guerra di Troia(The Trojan War). Reeves reprised the role the following year in the film The Avenger, about Aeneas’s arrival in Latium and his conflicts with local tribes as he tries to settle his fellow Trojan refugees there.

The most recent cinematic portrayal of Aeneas was in the film Troy, in which he appears as a youth charged by Paris to protect the Trojan refugees, and to continue the ideals of the city and its people. Paris gives Aeneas Priam’s sword, in order to give legitimacy and continuity to the royal line of Troy – and lay the foundations of Roman culture. In this film, he is not a member of the royal family and does not appear to fight in the war.

In the role-playing game Vampire: The Requiem by White Wolf Game Studios, Aeneas figures as one of the mythical founders of the Ventrue Clan.

in the action game Warriors: Legends of Troy, Aeneas is a playable character. The game ends with him and the Aeneans fleeing Troy’s destruction and, spurned by the words of a prophetess thought crazed, goes to a new country (Italy) where he will start an empire greater than Greece and Troy combined that shall rule the world for 1000 years, never to be outdone in the tale of men (The Roman Empire).

In the 2018 TV miniseries Troy: Fall of a City, Aeneas is portrayed by Alfred Enoch.[32]

Depictions in art

Scenes depicting Aeneas, especially from the Aeneid, have been the focus of study for centuries. They have been the frequent subject of art and literature since their debut in the 1st century.

Villa Valmarana

The artist Giovanni Battista Tiepolo was commissioned by Gaetano Valmarana in 1757 to fresco several rooms in the Villa Valmarana, the family villa situated outside Vicenza. Tiepolo decorated the palazzinawith scenes from epics such as Homer’s Iliad and Virgil’s Aeneid.[33]

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Aeneas Introducing Cupid Dressed as Ascanius to Dido, by Tiepolo (1757).

Venus Appearing to Aeneas on the Shores of Carthage, by Tiepolo (1757).

Mercury Appearing to Aeneas, by Tiepolo (1757).

Venus and Vulcan, by Tiepolo (between 1762 and 1766).

Aeneas flees Troy

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Flight of Aeneas from Troy, by Girolamo Genga (between 1507 and 1510).

Aeneas and his Father Fleeing Troy, by Simon Vouet (c. 1635).

Aeneas & Anchises, by Pierre Lepautre (c. 1697).

Aeneas fleeing from Troy, by Pompeo Batoni (c. 1750).

Aeneas with Dido

Giacobbe Giusti, AENEAS, Trojan hero

Dido and Aeneas, by Rutilio Manetti(c. 1630)

The Meeting of Dido and Aeneas, by Nathaniel Dance-Holland

Landscape with Dido and Aeneas, by Thomas Jones (1769)

Dido meeting Aeneas, by Johann Heinrich the Elder Tischbein (3 January 1780)

Family tree

References

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  6. ^ John of SalisburyPolycraticus 8.24-25; Bernard Sylvestris of ToursCommentum supra sex libros Eneidos Vergilii
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  33. ^ Michael Collins, Elise K. Kirk ed. Opera and Vivaldi p. 150

Sources

Further reading

  • Cramer, D. “Wrath of Aeneas.” Syllecta Classica, vol. 11, 2000, pp. 16–33.
  • De Vasconcellos, P. S. “A Sound Play on Aeneas’ Name in the Aeneid: A Brief Note on VII.69.” Vergilius (1959-), vol. 61, 2015, pp. 125–129.
  • Farron, S. “The Aeneas-Dido Episode as an Attack on Aeneas’ Mission and Rome.” Greece & Rome, vol. 27, no. 1, 1980, pp. 34–47.
  • Gowers, E. “Trees and Family Trees in the Aeneid.” Classical Antiquity, vol. 30, no. 1, 2011, pp. 87–118.
  • Grillo, L. “Leaving Troy and Creusa: Reflections on Aeneas’ Flight.” The Classical Journal, vol. 106, no. 1, 2010, pp. 43–68.
  • Noonan, J. “Sum Pius Aeneas: Aeneas and the Leader as Conservator/Σωτήρ” The Classical Bulletin. vol. 83, no. 1, 2007, pp. 65–91.
  • Putnam, M. C. J. The Humanness of Heroes: Studies in the Conclusion of Virgil’s Aeneid. The Amsterdam Vergil lectures, 1. Amsterdam: Amsterdam University Press, 2011.
  • Starr, R. J. “Aeneas the Rhetorician : ‘Aeneid IV’, 279-295.” Latomus, vol. 62, no. 1, 2003, pp. 36–46.
  • Scafoglio, G. “Betrayal of Aeneas.” Greek, Roman and Byzantine Studies, vol. 53 no. 1, 2013, pp. 1–14.
  • Schauer, M. Aeneas dux in Vergils Aeneis. Eine literarische Fiktion in augusteischer Zeit. Zetemata vol. 128. Munich: C.H. Beck, 2007.

https://en.wikipedia.org/wiki/Aeneas

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Giacobbe Giusti, SASSETTA: Saint Francis Abandons His Father

Giacobbe Giusti, SASSETTA: Saint Francis Abandons His Father

 

 

Giacobbe Giusti, SASSETTA

Sassetta - St Thomas Inspired by the Dove of the Holy Ghost (detail) - WGA20849.jpg

Detail of il Sassetta’s Ispirazione di San Tommaso, 1423, Museum of Art, Budapest
Born
Stefano di Giovanni di Consolo

around 1392

Died 1450 or 1451 (age 58 or 59)

Nationality Sienese
Known for Painting

Stefano di Giovanni di Consolo, known as il Sassetta (ca.1392–1450 or 1451) was an Italian painter who is considered one of the most important representatives of Sienese Renaissance painting.[1] While working within the Sienese tradition, he innovated the style by introducing elements derived from the decorative Gothic style and the realism of contemporary Florentine innovators as Masaccio.[2]

Life and Works

Giacobbe Giusti, SASSETTA

Sassetta Madonna and Child with Angels.jpg

The name Sassetta has been associated with him, mistakenly, only since the 18th century but is now generally used for this artist.[2]The date and birthplace of Sassetta are not known. Some say he was born in Siena although there is also a hypothesis that he was born in Cortona. His father, Giovanni, is called da Cartona which possibly means that Cortona was the artist’s birthplace. The meaning of his nickname Sassetta is obscure and is not cited in documents of his time but appears in sources from the eighteenth century.[1]

Sassetta was probably trained alongside artists like Benedetto di Bindo and Gregorio di Cecco but he had a style all of his own. He achieved a high level of technical refinement and was aware of artistic innovations of talented painters in Florence such as Gentile da Fabriano and Masolino. His work differs from the late Gothic style of many of his Sienese contemporaries.[3]

His first certain work, which originally had his signature, is the Arte della Lana altarpiece, (1423–1426) fragments of which are now divided among various private and public collections.[3]

The Madonna of the Snow altarpiece for the Siena Cathedral was a prestigious commission for Sassetta, and is considered his second major work. Not only does he excel at infusing his figures with a natural light that convincingly molds their shape, he also has an amazing handle on spatial relationships, creating cohesive and impressive work.[3] From this point on, under Gothic influence, Sassetta’s style increases its decorative nature. The polyptych done by Sassetta in San Domenico at Cortona (around 1437) depicts scenes from the legend of St. Anthony the Abbot. He shows great skill in narration through his painting as well as combining a sophisticated color palette and rhythmic compositions.[4]

Francesco di Giorgio e di Lorenzo, better known as Vecchietta, is said to have been his apprentice.[4]

He died from pneumonia contracted while decorating the Assumptionfresco on the Porta Romana of Siena. The work was finished by his pupil Sano di Pietro.

Many consider Sassetta’s fusing of traditional and contemporary elements as integral to the move from the Gothic to the Renaissancestyle of painting in Siena.[4]

A Miracle of the Eucharist

Giacobbe Giusti, SASSETTA

Miracle of the Eucharist

Sassetta was a fiercely pious man. The painting is about the “marriage of righteousness and violence” and the “consequences of sinfulness, the perils of feigning faith and the power of God.”[5]

The figure in black in the painting is an unbeliever, who has been found out in the process of receiving Communion. The officiating priest offers him the host on a plate, which is pictured miraculously spurting blood. The unbeliever has been struck dead instantly, and the creature above his face is a tiny black devil which has swooped down to snatch away his soul to the depths of Hell. The other men pictured are Carmelite monks, caught in expressions of shock, amazement and disgust. The painting is a “carefully staged, meticulously created illusion” which commemorates the Miracle of Bolsena which is said to have taken place in 1263.[5] Sassetta’s Altarpiece of the Eucharist was later divided between three museums (British, Hungarian and Italian), the Vatican, and a private collection.[5]

The Borgo San Sepolcro Altarpiece

The altarpiece was originally painted in Siena, and transported to Sansepolcro for placement in the church of San Francesco. In October 1900 the Berenson family purchased three panels created by Stefano di Giovanni. The Berensons’ collection consisted of St. Francis in Glory, flanked by the standing Blessed Ranieri and St. John the Baptist, which scholars determined are only a part of a complex altar which had now become scattered among twelve collections throughout Europe and North America.[6] It is generally accepted by the art historical community that Sassetta’s San Francesco altarpiece was one of the largest and most expensive of the Quattrocento.[7] The fact that it was produced by a Sienese artist in Siena, and shipped to the Tiber valley town in late spring 1444 also speaks to Sassetta’s fame in his time period.

Bernard Berenson bequeathed many of Sassetta’s painting from his Florence Villa to Harvard University, in what became the Center for Italian Renaissance Studies in Florence.[6] A 3D computer-assisted reconstruction of the altarpiece’s surviving parts is featured in Sassetta: The Borgo San Sepolcro Altarpiece, edited by Machtelt Israels and released in 2009.[6]

Controversy

There is some contention in the historical art community over which Sienese masters were directly responsible for which paintings. Scenes from the life of St. Anthony of Egypt have been questioned as Sassetta’s own work, and critics such as Donald Bruce believe that near-equals, such as the Griselda master also deserve attention for their achievements in art of this time period.[8]

Selected works

Giacobbe Giusti, SASSETTA

Saint Francis Abandons His Father.

Sassetta, Madonna col Bambino e quattro santi

Sassetta – The Meeting of St. Anthony and St. Paul – WGA20868

References

  1. Jump up to:a b Judy Metro, Italian Paintings of the Fifteenth Century. National Gallery of Art, Oxford University Press: Oxford, New York, 2003. p. 621
  2. Jump up to:a b Marco Torriti. “Sassetta.” Grove Art Online. Oxford Art Online. Oxford University Press. Web. 9 Mar. 2016
  3. Jump up to:a b c Miklós Boskovits; National Gallery of Art (U.S.); et al, Italian paintings of the fifteenth century (Washington: National Gallery of Art; New York, 2003), p. 623.
  4. Jump up to:a b c Sassetta, Italian painter at Encyclopædia Britannica, 2012.
  5. Jump up to:a b c Andrew Graham-Dixon, Paper Museum: Writings about Paintings, mostly (New York : Knopf, 1997), p. 34–35.
  6. Jump up to:a b c Fabrizio Nevola. “Reviews” Renaissance Quarterly (University of Chicago Press 2010). Vol. 63, No. 2, pp. 589–591.
  7. ^ Machtelt Israels, ed. Sassetta: The Borgo San Sepolcro Altarpiece. 2 vols. Florence: Villa I Tatti, 2009, p. 302.
  8. ^ Donald Bruce, “Sienese Painting at the London National Gallery”. Contemporary Review; Winter2007, Vol. 289 Issue 1687, p. 481.

Sources

  • Italian Paintings of the Fifteenth Century. 2003 Judy Metro, National Gallery of Art, Oxford University Press: Oxford, New York p. 621.
  • Andrew Graham-Dixon, Paper Museum: Writings about Paintings, mostly (New York : Knopf, 1997), 33–36.
  • Miklós Boskovits; National Gallery of Art (U.S.); et al., Italian paintings of the fifteenth century (Washington : National Gallery of Art ; New York, 2003), 621–625.
  • Machtelt Israels, ed. Sassetta: The Borgo San Sepolcro Altarpiece. 2 vols. Florence: Villa I Tatti, 2009.
  • Fabrizio Nevola. “Reviews” Renaissance Quarterly (University of Chicago Press 2010). Vol. 63, No. 2, p. 589–591.
  • Donald Bruce, Sienese Painting at the London National Gallery. Contemporary Review; Winter2007, Vol. 289 Issue 1687, p. 481.
  • Luciano Bellosi, Sassetta e i pittori toscani tra XIII e XV secolo, a cura di Luciano Bellosi e Alessandro Angelini, Studio per edizioni scelte, Firenze 1986
  • B. BerensonSassetta, Firenze 1946
  • Enzo Carli, Sassetta’s Borgo San Sepolcro Altarpiece, in: Burlington Magazine 43, 1951, ss. 145
  • Enzo Carli, Sassetta e il «Maestro dell’Osservanza», Milano 1957
  • Enzo Carli, I Pittori senesi, Milano 1971
  • J. Pope-HennessySassetta, Londra 1939
  • J. Pope-Hennessy, Rethinking Sassetta, in: Burlington Magazine 98, 1956, ss. 364
  • Federico ZeriTowards a Reconstruction of Sassetta’s Arte della Lana Triptych, in Burlington Magazine 98, 1956, ss. 36

https://en.wikipedia.org/wiki/Stefano_di_Giovann

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Giacobbe Giusti, Treasure of Eberswalde

 

Giacobbe Giusti, Treasure of Eberswalde

 

Giacobbe Giusti, Treasure of Eberswalde

 

Giacobbe Giusti, Treasure of Eberswalde

Items from the Eberswalde Hoard (ReplicaMuseum für Vor- und FrühgeschichteBerlin

The Eberswalde Hoardor Treasure of Eberswalde (GermanSchatz von Eberswaldeor Goldfund von Eberswalde) is a Bronze Age hoard of 81 goldobjects with a total weight of 2.59 kg (83 ozt).[1] The largest prehistoric assembly of gold objects ever found in Germany, it is considered to be one of the most important finds from the Central European Bronze Age.[2] Today, it is in Russia, as part of the group of artifacts and works of art looted from Germany at the end of the Second World War.

Discovery

The hoard was discovered 1 m (3 ft) below the ground surface on May 16, 1913, during excavations for a house within the grounds of a brass factory at Finow (Oberbarnim), part of Eberswalde in Brandenburg. The factory supervisor alerted Carl Schuchhardt, the director of the Prehistoric Department of the Royal Museums at Berlin, who acceded the hoard to that collection.

Description

Eberswalde Hoard display

The hoard had been deposited in a globular vessel with a lid. In it were eight gold bowls, which contained another 73 gold objects. The bowls were thin-walled chased gold vessels with copious ornamental decoration. The other objects included neck rings, bracelets and 60 wire arm spirals. 55 double spirals were tied into bundles. A gold ingot, a piece of metal shaped like a crucible and two smaller pieces probably represent raw material for the production of such objects. The treasure belongs to the goldsmith known as Villena-type, for its resemblance to the Treasure of Villena.

Origin, date

The hoard used to be thought to represent the stores of a merchant.[citation needed] More recent research suggests that it was of religious significance.[3] The hoard is dated to the 9th century BC. [4]

Later history

After the end of the Second World War in 1945, the Eberswalde Hoard disappeared from the Berlin museum, along with the so-called “Treasure of Priam”. The suspicion that the Red Army might have removed both finds was denied by the Soviets for decades. After Russian president Boris Yeltsin admitted that “Priam’s Treasure” was in Russian hands, the authorities ceased to explicitly deny that they also held Eberswalde Hoard. In 2004, a reporter from German magazine Der Spiegel located it in a secret depot within Moscow‘s Pushkin Museum. Germany has request return of the materials, and the issue has caused tension between the German and Russian governments.[5] Reproductions of the hoard are on display at the Museum für Vor- und Frühgeschichte in Berlin and the Stadt- und Kreismuseum in Eberswalde. The Eberswalde replica is by local goldsmith Eckhard Herrmann.[6]

Literature

  • Carl Schuchhardt: Der Goldfund vom Messingwerk bei Eberswalde. Berlin 1914.

References

  1. ^ “unknown/missing”Berliner Morgenpost. February 1, 2004.[dead link]
  2. ^ Eller, Carmen (March 30, 2007). “Erbeutetes Gold als heißes Eisen”Deutsche Allgemeine Zeitung. Retrieved 5 November 2013.
  3. ^ Eluère, Christiane (December 1985). “Goldwork of the Iron Age in ‘Barbarian’ Europe”. Gold Bulletin18 (4): 150. doi:10.1007/BF03214697.
  4. ^ Hickley, Catherine (September 10, 2008). “Gold Hoard, Trophy Art Stay in Russia as Ties With Germany Cool”Bloomberg. Retrieved 4 November 2013.
  5. ^ Hawksley, Rupert (21 Jun 2013). “The Eberswalde Hoard: what exactly is it?”The Telegraph. Retrieved 4 November 2013.
  6. ^ Märkische Oderzeitung, October 24, 2006

https://en.wikipedia.org/wiki/Eberswalde_Hoard

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Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

 

 

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

 

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

 

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

 

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

 

 

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

 

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

 

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

Giacobbe Giusti, Le Pérugin: Fresques du Collegio del Cambio

Prudence et Justice avec six sages antiques.

Nativité ou Adoration de l’Enfant.

L’ensemble des fresques du Collegio del Cambio est un cycle de fresques allégoriques du Péruginqui décorent la Sala delle Udienze del Collegio del Cambio de Pérouse. Il s’agit du chef-d’œuvre de l’artiste et une des plus significatives références de la peinture italienne au seuil du xvie siècle1.

Histoire

L’Arte del Cambio avait reçu l’autorisation de s’établir dans des locaux à l’extrémité du palazzo dei Priori à partir de 1452. Jusqu’en 1457 eurent lieu les travaux d’architecture et de fonctionnalité des pièces.

En 1496 fut prise la décision de faire décorer par Le Pérugin la Sala delle Udienze, endroit où avaient lieu les réunions et centre des activités commerciales de la corporation.

Le choix du Pérugin était motivé par le fait que l’artiste était à ce moment-là parmi les plus demandés d’Italie, responsable d’un atelier à Florence et d’un autre à Pérouse et présent en ville quand il réalisa le polyptyque de saint Pierre.

Le contrat fut signé le , Le Pérugin travailla surtout en 1498 et termina le cycle en 1500. Afin de porter à son terme une entreprise aussi importante, il eut recours à des assistants parmi lesquels Andrea d’Assisi et probablement le jeune Raphaël pour la figure de la Force et le visage de Salomon.

Le solde du paiement eut lieu le  pour un total de 350 ducats d’or.

Les peintures, comme il était d’usage à l’époque, s’intégraient dans un programme iconographique homogène avec les autres décorations comme les boiseries réalisées par Domenico del Tassoentre 1491 et 1493, représentant un des plus anciens exemples de décoration de l’art grotesque sur ce support. Les panneaux des portes ont été réalisés par Antonio Bencivenni de Mercatello vers 1501.

Giorgio Vasari loua le cycle : «  Cette très belle œuvre fut louée plus que toute autre que Pietro [Vanucci] a réalisée à Pérouse, et aujourd’hui les habitants de cette ville la mettent en valeur en mémoire au très estimé représentant de leur patrie ».

Thématique

Le thème du cycle est la concordance entre le savoir païen et le savoir chrétien, élaboré par l’humaniste Francesco Maturanzio. Parmi les sources iconographiques qui inspirèrent le peintre, figure plusieurs « hommes illustres » de la Sala dei Gigli du Palazzo Vecchio à Florence, œuvre de Domenico Ghirlandaio (1481-1485) ainsi que les fresques de Palazzo Trinci à Foligno.

Une série de divinités/planètes figure sur la voûte.

Jupiter, sur la voûte.

le programme décoratif des lunettestourne autour du triomphe des quatre Vertus cardinales, représentées par des figures célèbres de l’Antiquité et des trois Vertus théologales, qui font référence à trois épisodes de la vie de Jésus-Christ.

  • Sur la paroi de droite se trouve isolée la figure de Catone, symbole de sagesse.
  • Sur le premier panneau, la Prudence et Justice au-dessus de sages antiques.
  • Sur le pilier mitoyen se trouve l’Autoportrait du Pérugin avec l’inscription qui lui est dédiée.
  • Le second panneau présente Force et Tempérance au-dessus de six héros antiques.

La paroi du fond comporte les lunettes de la Transfiguration et de la Nativité.

Sur la paroi droite Dieu le père en gloire entre anges et chérubins au-dessus d’un groupe de prophètes et de sibylles.

Le pilier suivant comporte un panneau encadré de grotesques sur lequel est inscrite la date de la fin des travaux : « Anno Salut. MD ».

Voûte

Apollon, sur la voûte.

La décoration a probablement débuté par la voûte à pavillon qui a été peinte à tempera. Six sommets triangulaires entourent la partie centrale en forme de losange. Dans chaque compartiment est peinte la personnification d’un dieu/planète issu des signes du zodiaque et représenté sur un char triomphal tiré par divers animaux. Saturne, Jupiter et Mars sont situés au-dessus de la cloison du fond, Apollon/Soleil au centre, Mercure, Diane/Lune et Vénus au-dessus de la paroi de la fenêtre.

Parmi ces figures on trouve une dense décoration fantastique : puttià cheval, chèvres, panthères, satyresharpiesmascarons et groupes érotiques repris aussi dans les décors en bois du dessous. Si les dessins de la voûte sont attribués au maître, l’exécution fut complétée par deux collaborateurs, probablement Antonio del Massaroet Andrea Aloigi dit « l’Ingegno ».

Les œuvres de grande qualité et équilibrées témoignent d’une supervision suivie de la part du Pérugin qui ne permit aucun fléchissement de qualité.

Transfiguration

Transfiguration.

La décoration se poursuivit avec les cinq panneaux à haut cintré qui occupent la moitié supérieure des parois, encadrés par une subtile frise monochrome, séparés de petits piliers décorés à grotesques.

Cette Transfiguration(226 × 229 cm), située sur le mont Tabor, symbolisait la vertu de la Foi.

Le schéma de la fresque reprend celui de nombreuses œuvres du Pérugin dans lequel la divinité est représentée dans une mandorle au-dessus du registre inférieur de trois apôtres JeanPierre et Jacques de Zébédée, apparaissant modérément surpris par la révélation de la nature divine de Jésus. Aux côtés du Christ les prophètes Moïse et Isaïe, sont représentés à genoux. Aux extrémités de la mandorle figurent les inscriptions : HIC EST FILIVS MEVS DILECTVS et DOMINE BONVM EST NOS HIC ESSET.

Les têtes des apôtres sont d’une grande finesse avec une plasticité des corps assez marquée.

Dans le visage de saint Jacques, certains critiques d’art voient la main du jeune Raphaël, par les couleurs et sa manière particulière de délimiter les parties entre lumière et ombre.

Nativité

La Nativité ou Adoration de l’Enfant(264 × 225 cm) est une allégorie de la Charité. La scène est aussi issue du répertoire de précédents travaux de l’artiste, en particulier de la Nativité perdue de la Chapelle Sixtine, avec les figures principales avancées au premier plan et le thème du portique central qui dirige le regard du spectateur dans le lointain vers un calme paysage typique du Pérugin. L’Enfant est étendu par terre entre saint Josephet la Vierge en adoration, tandis que derrière lui se trouvent quelques pâtres agenouillés dont les bâtons font converger les lignes de force vers le nouveau-né. À gauche et en arrière-plan se trouve un autre groupe de pâtres avec le troupeau et à droite le bœuf et l’âne. En haut, sous les arcades, trois anges chantent des hymnes, comme inscrit en lettres dorés · GLORIA IN EXCELSIS DEO ·.

La scène a quelques affinités avec la scène du Stendardo della Santissima Trinità peinte par Raphaël à dix-sept ans, en particulier les trois anges et le paysage. Dans les figures principales on note un épaississement des contours et un rendu des volumes plus plastique. Ces particularités ont fait penser à une intervention de Raphaël, alors élève du Pérugin. Cette fermeté plastique est absente par exemple dans l’Adoration des Mages de Città della Pieve, réalisée par le Pérugin en 1504.

L’Éternel entre les anges au-dessus d’un groupe de prophètes et de sibylles

L’Éternel au-dessus de prophètes et de sibylles.

La panneau de L’Éternel entre les anges au-dessus d’un groupe de prophètes et de sibylles(229 × 370 cm), allégorie de l’Espérance, présente le schéma des deux autres panneaux des Vertus théologales, avec un registre inférieur de personnages et un supérieur occupé par Dieu le père bénissant dans un nimbe lumineux, entouré de chérubins, séraphins et deux anges volant provenant aussi du répertoire de l’artiste. Le paysage avec les douces collines pointillées d’arbrisseaux se dégrade vers le centre créant l’effet d’une vallée ouverte conduisant le regard du spectateur vers le centre de la représentation. Les prophètes et les sibylles sont divisés en deux groupes symétriques et les inscriptions sur la base aident à reconnaître les personnages. Il en est de même des phylactères qu’ils tiennent à la main, avec des prophéties.

De gauche à droite on distingue[réf. souhaitée] :

  • IsaïeMoïseRoi DavidJérémieet Salomon, La sibylle Érythréenne, La sibylle Persique, La sibylle de Cumes, La sibylle Libyque, La sibylle Tiburtine et la sibylle Delphique.

Il s’agit du seul panneau dont le dessin préparatoire a été réalisé par incision alors que le transfert par spolvero a été utilisé pour les autres scènes. La mise en page de la composition, par rapport aux autres scènes est moins schématique et la texture picturale plus fluide probablement résultant du recours à divers collaborateurs ou par une distance temporelle dans la réalisation.

Depuis le xviie siècle, court l’hypothèse que le jeune Raphaël aurait participé à ce travail, même si à l’époque, encore très jeune, il était dans une phase de strict suivisme du maître.

Prudence et Justice au-dessus de six personnages antiques

Péricles, détail.

Le panneau avec Prudence et Justice au-dessus de six personnages antiques(293 × 418 cm) est aussi réalisé selon les règles de la symétrie. Les deux Vertus sont assises sur des nuages, avec leurs attributs respectifs, avec sur les côtés des putti qui tiennent des phylactères. Sur le bas, de gauche à droite avec les noms écrits en bas figurent : Quintus Fabius Maximus VerrucosusSocrateNuma PompiliusMarcus Furius CamillusPittacos de Mytilène et Trajan.

Force et Tempérance au-dessus de six héros antiques

La Force et Tempérance au-dessus de six héros antiques(291 × 400 cm) a un schéma analogue au précédent. Les six héros sont remarquables par la richesse des décorations de leurs armures avec des cimiers et couvre-chefs très élaborés. De gauche à droite on distingue : Lucius Licinius CrassusLéonidas de TarenteHoratius CoclèsScipion l’AfricainPériclès et Lucius Quinctius Cincinnatus.

Les deux panneaux des Sages et des héros témoignent de l’apogée atteint dans le classicisme par l’artiste, à travers un modelé souple et une palette riche et brillante.

Autoportrait

Autoportrait et dédicace.

Sur un pilier intermédiaire de la paroi gauche se trouve peint en trompe-l’œil, un cadre suspendu entre des rubans et colliers en corail. Il s’agit du célèbre autoportrait du peintre (40 × 30,5 cm) et une inscription témoigne de la renommée atteinte par l’artiste : PETRUS PERUSINUS EGREGIUS / PICTOR / PERDITA SI FUERAT PINGENDI / HIC RETTULIT ARTEM / SI NUSQUAM INVENTA EST / HACTENUS IPSE DEDIT, « Pietro Perugino, peintre émérite. Si l’art de la peinture était égaré, il le retrouva. S’il n’était pas encore inventé, il l’éleva jusqu’à ce point » L’allusion est sur le débat alors fort en vogue concernant la supériorité des Anciens sur les Modernes. Comme il n’existait que peu de traces de la peinture antique citée par les sources anciennes, le dilemme concernait la capacité des peintres de la Renaissance à dépasser les Anciens et aussi s’ils avaient fait mieux qu’eux.

Les détails physiques et psychologiques de l’autoportrait sont très soignés. Le visage rondelet, les joues rougeaudes, les lèvres fines, les cheveux flottants, le double menton avec fossette…

Style

La décoration du Collegio del Cambio a été sûrement un chef-d’œuvre où les valeurs littéraires, humanistes et classiques sont transposées en images harmoniques et soignées, rythmiquement alternées en une évolution rappelant la composition musicale. Les couleurs sont brillantes mais savamment harmonisées avec l’utilisation de contrastes forts comme orange/vert, jaune/bleu et rose/vert.

La technique montre un coup de pinceau qui divise la lumière en une infinité de segments qui vibrent en se décomposant et se recomposant. L’illumination théâtrale et la perspective suscitèrent des émotions intenses parmi les contemporains du peintre. Le très haut niveau qualitatif de la peinture à fresque permet de rendre une multitude de détails et une finesse équivalente à celle obtenue sur bois.

Le paysage est généralement simplifié en glacis et les figures sont souvent simplement juxtaposées en premier-plan créant des schémas symétriques. Les ombres sur le terrain sont nettes, les poses des personnages souvent élégantes.

Les limites de l’artiste sont évidentes dans la répétition des schémas de son répertoire et dans la difficulté à représenter des scènes narratives dynamiques.

Notes et références

  1.  Touring, cit., p.  131.

Bibliographie

  • Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 (ISBN 888117099X)
  • AA.VV., Umbria (Guida rossa), Touring Club editore, Milano 1999. (ISBN 88-365-1337-9)
  • Elisabetta Gigante, Le Pérugin ou l’alliance de l’écrit et de l’image Visible, no 2/2006: L’hétérogénéité du visuel. 2/3. Les syncrétismes, Collectif – 2006 – Language Arts et Disciplines, p.  66, 73, Books.google  [archive]

Articles connexes

Sources

Giacobbe Giusti, DOMENICO GHIRLANDAIO: Portrait of Giovanna Tornabuoni, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

 

Giacobbe Giusti, DOMENICO GHIRLANDAIO: Portrait of Giovanna Tornabuoni, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

 

 

Giacobbe Giusti, DOMENICO GHIRLANDAIO: Portrait of Giovanna Tornabuoni, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Ghirlandaio-Giovanna Tornabuoni cropped.jpg
Artist Domenico Ghirlandaio
Year 1488
Medium Tempera on panel
Dimensions 77 cm × 49 cm (30 in × 19 in)
Location Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

The Portrait of Giovanna Tornabuoniis a painting by the Italian Renaissance painter Domenico Ghirlandaio, executed in 1488 and located in the Museo Thyssen-BornemiszaMadrid.

Description

The painting portrays Giovanna degli Albizzi, a Florentine noblewoman who was married to Lorenzo Tornabuoni. She died in childbirth in 1488, year on the cartolina (Italian for a slip of paper in the background). The painting was actually painted after her death, around 1489-90. She has been identified thanks to her other portraits in the Tornabuoni Chapel, where she has the same hair style.

It depicts the young woman from the side, wearing precious clothes including a gamurra vest. On the right, behind her, are a hanging coral necklace (perhaps a rosary), a partly closed prayers book and a Latin inscription, taken from an epigram by the 1st century AD poet Martial.

Sources

  • Santi, Bruno (2001). “Ghirlandaio”. I protagonisti dell’arte italiana. Florence: Scala.

https://en.wikipedia.org/wiki/Portrait_of_Giovanna_Tornabuoni

http://www.giacobbegiusti.com

 

 

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO: Madeleine, Galerie Borghèse Rome

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO: Madeleine, Galerie Borghèse Rome

 

 

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Piero di Cosimo - Portrait de femme dit de Simonetta Vespucci - Google Art Project.jpg
Portrait de Simonetta Vespucci
1485-1490
Musée Condé, Chantilly
Naissance
Décès
Voir et modifier les données sur Wikidata (à 60 ans)
FlorenceVoir et modifier les données sur Wikidata
Activité
Maître
Lieu de travail
Mécène
Œuvres principales

Piero di Cosimo né Pietro di Lorenzo di Chimenti parfois appelé Piero di Lorenzo (Florence – ) est un peintre italien de l’école florentine.

Ses œuvres furent attribuées anonymement au Maestro della Natività di Castello jusqu’en 1995, reconnu alors par l’historienne de l’art Chiara Lachi1.

Biographie

Il est fils de l’outilleur Lorenzo di Piero d’Antonio, mais adopte le nom de l’artiste Cosimo Rosselli dans l’atelier duquel il travaille comme apprenti ou aide dès 1480. Piero di Cosimo accompagna à Rome Cosimo Rosselli en 1481, pour l’aider à terminer la fresque qu’il avait commencée à la Chapelle Sixtine. Il s’installe à son compte à la fin des années 1480.
Alors qu’il travaillait à la cour des Médicis, Julien de Médicis lui a commandé un portrait posthume de sa maîtresse, Simonetta Vespucci, morte de tuberculose en 1476. Il l’a réalisé entre 1485 et 1490. C’est un des premiers exemples de portrait allégorique2.

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Mars et Vénus, 1483

panneau de cassoneBotticelli

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Vénus, Mars et Cupidon, 1505

panneau de cassone, Piero di Cosimo

Son œuvre explore la peinture religieuse, les portraits et les tableaux mythologiques. Elle fut marquée par la peinture flamande, par celle de Pollaiuolo, de Signorelliet Léonard de Vinci. Il avait en commun avec Léonard le goût d’observer les taches des vieilles murailles, la forme des nuages et d’en tirer comme par hallucination provoquée « des inventions merveilleuses ». Comme lui, il peint des paysages panoramiques comme toile de fond à ses sujets. Beaucoup de ses peintures jouent sur un dualisme entre naïveté charmante et érotisme trouble qui apparaît très « moderne ». Certaines paraissent bien constituer une suite avec le thème de « l’Humanité primitive » et une proximité avec Hésiode et Lucrèce. Selon Vasari, Philippe Strozzi le Jeune lui commanda Persée délivrant Andromède, exécuté vers 1515 qui fait vraisemblablement allusion au retour des Médicis à Florence en 15123.
Parmi ses élèves, on retrouve Fra BartolomeoJacopo Pontormo et (selon Vasari) Andrea del Sarto4Giorgio Vasari dans Le Vite décrit aussi les excentricités de l’artiste, qui ont inspiré George Eliot pour son roman Romola (1863), ainsi que l’idéal romantique de l’artiste comme bohème5. Il aurait vécu une vie recluse, survivant à un régime d’œufs durs qu’il cuit par lots de cinquante. À la fin de sa vie, il souffrait d’une paralysie partielle et était incapable de travailler6.

Vasari donne 1521 comme date de sa mort, mais cela a été démenti ensuite par les recherches de Louis Alexander Waldman (l’année florentine se terminant les 24 mars à l’époque). Il précise également qu’il serait mort de la peste.

Œuvres

Années d’apprentissage 1480-1490

  • Portrait de Simonetta Vespucci, huile sur bois, 57 × 42 cm, v.1480, Chantillymusée Condé
  • Vierge à l’Enfant, avec les saints Jean-Baptiste et Thomas, 1480, huile sur toile, 202 × 165 cmBorgo San Lorenzo, Florence, chiesa del Crocifisso
  • Saint Jean-Baptiste jeune, 1480, tempera sur bois, 28 × 23 cmNew YorkMET
  • Vierge à l’Enfant avec saint Lazare et saint Sébastien, v.1480, tempera sur bois, 165 × 123 cmMontevottoliniPistoia, pieve dei SS. Michele e Lorenzo
  • Retable Sainte Conversation, commandée par Francesco del Pugliese, v.1481–85, tempera et huile sur bois, Saint-LouisMissouri7
    • Vierge à l’Enfant avec les saints Pierre, Jean-Baptiste, Nicolas et Dominique, 168,3 × 112,1 cm
    • prédelle en trois scènes, tempera sur bois, 23,5 × 38,5 cm :
      • Bruciamento dei libri degli Albigesi
      • San Giovannino e Gesù Bambino
      • San Nicola abbatte gli idoli
  • Double portrait de Giuliano da Sangallo et de Francesco Giamberti, 1482-1485, huile sur toile, 47,5 × 33,5 cmRijksmuseumAmsterdam

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

 

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Années 1490-1500

  • Vierge à l’Enfant, 1485-1490, huile sur bois, 83 × 65 cmStockholm, collection royale
  • L’Incendie de forêt, dossier de tête de lit, huile sur bois, 1488-1507, 71 × 203 cmOxfordAshmolean Museum
  • La Chute de Vulcain8, 1490, Wadsford Atheneum
  • Vierge et l’Enfant à la colombe, 1490, huile sur bois, 87 × 58 cm87 × 58 cmParismusée du Louvre
  • Saint Jérôme en méditation, 1490, tondo, huile sur bois, diam. 74 cm, Florence, musée Horne
  • Vierge à l’Enfant endormi9, v.1490, collection particulière
  • Histoire de Silène : La découverte du miel, 1499, huile sur bois, 79,2 × 128,4 cmWorcester Art MuseumMassachusetts10
  • Visitation avec saint Nicolas et saint Antoine11, 1480-1490, huile sur bois, 184 × 189 cm, v.1490 WashingtonNational Gallery of Art
  • Vierge à l’Enfant avec saint Onofrio et saint Augustin, 1485-1495, tempera sur bois, 205 × 175 cm, ancienne collection Rennaz, vendu Sotheby’s New York le 28 janv. 201012
  • Vulcain et Éole, 1495, huile sur toile, 155,6 × 166,4 cmOttawamusée des beaux-arts du Canada
  • Adoration de l’Enfant, 1490-1500, tondo, huile sur bois, diam. 160 cm, musée d’art de Toledo
  • Vierge à L’Enfant avec les saints Dorothée et Pierre à gauche, et Catherine et Jean l’Évangéliste à droite ou Sainte Conversation, commandée pour l’autel de la famille Pugliese, 1493, panneau 203 × 197 cmSpedale degli Innocenti, Florence

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

 

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

 

Maturité. Années 1500-1510

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

 

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

 

Giacobbe Giusti, PIERO di COSIMO

Dix dernières années 1510-1520

  • Adoration de l’Enfant, 1510, huile sur bois, tondo, diam. 115 cm, Florence, palais Martelli23
  • L’Immaculée Conception avec les saints François, Jérôme, Bonnaventure, Bernard, Augustin et Thomas d’Aquin, 1510, huile sur bois, 184 × 178 cmFiesole, Couvent Saint-François
  • Le Combat des Centaures et des Lapithes, 1505-1515, huile sur bois, 71 × 260 cm, Londres, National Gallery
  • Persée délivrant Andromède, 1515, huile sur bois, 70 × 123 cm, Florence, musée des Offices
  • Construction d’un édifice24, v. 1514-1518, Tempera sur bois, 82,6 × 196,9 cmSarasotaFloride, Ringling Museum of Art
  • Vierge à l’enfant avec saints et anges, 1520, Tondo, huile sur bois, Philbrook Museum of Art25
  • La Sainte famille et Jean-Baptiste enfant26, v. 1520, bois, 118,5 × 87 cmFondation Cini, Venise
  • Le Mythe de Prométhée, v. 1520, huile sur toile, 68 × 120 cmMunichAlte Pinakothek
  • Le Mythe de Prométhée, v. 1520, huile sur toile, 64 × 116 cmmusée des beaux-arts de Strasbourg
  • Sainte Famille avec saint Jean-Baptiste et anges27, v. 1520, huile sur toile, tondo, diam. 152, Saint-Pétersbourg, musée de l’Ermitage
  • Vierge à l’Enfant, avec saint Dominique et saint Jérôme28, 1521, huile sur bois, 209 × 205,7 cmNew HavenConnecticut, Yale University Art Gallery
  • Deux anges29, 1521 huile sur toile, 67 × 87 cmmusée des beaux-arts de Boston

Non datées

Fresques

Dans la Chapelle Sixtine :

  • Moïse et les tables de la Loi
  • Sermon sur la montagne
  • Paysage, fragment de la Predica di Cristo e guarigione del lebbroso

Notes et références

  1.  (it) Chiara LachiIl Maestro della Natività di Castello, Florence, edifir, 200 p.
  2.  Stefano ZuffiLe Portrait, Gallimard, (ISBN 2-07-011700-6), p.239
  3.  Mina GregoriLe Musée des Offices et le Palais Pitti : La Peinture à Florence, Editions Place des Victoires, (ISBN 2-84459-006-3), p. 112
  4.  Stendhal dira à ce propos que Pierre de Cosimo est un « barbouilleur dont le nom a survécu, parce qu’il est le maître d’André del Sarto. ». (Stendhal, Histoire de la Peinture en Italie, Paris, Le Divan, 1929, [lire en ligne [archive]], t. 1, p. 186)
  5.  Musée des beaux-arts du Canada [archive]
  6.  Site du Rijksmuseum [archive]
  7.  City Art Museum, Saint-Louis [archive]
  8.  Wadsworth Atheneum [archive]
  9.  Vierge à l’Enfant endormi
  10.  Worcester Art Museum [archive]
  11.  Visitation, Washington
  12.  Vente Sotheby’s New York 2010 [archive]
  13.  Tritons et Néréides, coll. privée
  14.  Madone, Mexico
  15.  Musée San Carlos, Mexico [archive]
  16.  Madone, Edimburg [archive]
  17.  Madone, Strasbourg
  18.  Fogg Art Museum [archive]
  19.  Adoration avec anges musiciiens, Ermitage [archive]
  20.  Musée Thyssen, Madrid [archive]
  21.  Incarnation de Jésus, Offices
  22.  Venus, Mars et Amour, Berlin
  23.  Palazzo Martelli, Florence [archive]
  24.  Ringling Museum [archive]
  25.  Philbrook Museum of Art [archive]
  26.  Giovanna Nepi SciréLa Peinture dans les musées de Venise, Editions Place des Victoires, (ISBN 978-2-8099-0019-4), p. 130
  27.  Ste Famille, Ermitage [archive]
  28.  Madone, Yale University [archive]
  29.  Deux anges, Boston [archive]

Sources

Bibliographie

  • Fritz Knapp, Piero di Cosimo : sein Leben und seine Werke, Halle A.S. : W. Knapp, 1898.
  • Hugo Haberfeld, Piero di Cosimo, Breslau : R. Galle’s Buchdruckerei, 1900.
  • Mina Bacci, Piero di Cosimo, Milano : Bramante, [1966].
  • Dans la lumière de Vermeer, Paris, Musée de l’Orangerie, 24 septembre – 28 novembre 1966 (Sainte Marie-MadeleineRomeGalleria Nazionale d’Arte Antica), 1966.
  • Mina Bacci, L’opera completa di Piero di Cosimo, Milano : Rizzoli, 1976.
  • Alain Jouffroy, Piero di Cosimo : ou la forêt sacrilège, Paris : R. Laffont, 1982.
  • James H. Beck, “The origins of Piero di Cosimo”, Source, vol. IV, n° 4, été 1985, p. 9-14.
  • Sharon Fermor, Piero di Cosimo : fiction, invention and fantasia, London : Reaktion books, 1993.
  • Anna Forlani Tempesti et Elena Capretti, Piero Di Cosimo : l’œuvre peint, Paris : Éd. du Félin, 1996.
  • Laura Cavazzini, “Un documento ritrovato e qualche osservazione sul percorso di Piero di Cosimo”, Prospettiva , n° 87-88 (juil.-oct. 1997), p. 125-132.
  • Luisa Secchi Tarugi, “Le bizzarrie pittoriche di Piero di Cosimo”, Disarmonia bruttezza e bizzarria nel Rinascimento : atti del VII convegno internazionale, (Chianciano-Pienza, 17-20 luglio 1995), Firenze : F. Cesati, 1998.
  • Catherine Whistler et David Bomford, The Forest fire by Piero di Cosimo, Oxford : Ashmolean Museum, 1999.
  • Dennis Geronimus, “The birth date, early life, and career of Piero di Cosimo”, Art bulletin, vol. 82, n° 1, mars 2000, p. 164-170.
  • Louis Alexander Waldman, “Fact, fiction, hearsay : notes on Vasari’s life of Piero di Cosimo”, Art bulletin, vol. 82, n° 1 mars 2000, p. 171-179.
  • Dennis Geronimus, Piero di Cosimo : visions beautiful and strange, New Haven : Yale University Press, 2006.
  • Maurizia Tazartes, Piero di Cosimo : “ingegno astratto e difforme”, Firenze : Mauro Pagliai, 2010.

皮耶羅·迪·科西莫

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珀尔修斯救出安德洛墨达》,板面油画,1510年或1513年,乌菲兹美术馆

《福音傳道者聖約翰》,板面油畫,1504-06,火奴魯魯藝術博物館

皮耶羅·迪·科西莫Piero di Cosimo,1462年1月2日[1] – 1522年4月12日),亦稱皮耶羅·迪·洛倫佐Piero di Lorenzo),是意大利文藝復興時期的一位畫家。[2]

生平

科西莫出生於佛羅倫薩,是一位金匠的兒子。他曾受到科西莫·羅塞利的指點,他的名字也是從老師那裡取來的。1481年在西斯廷禮拜堂協助老師進行創作。後來他自己也成為了一名著名畫家。喬爾喬·瓦薩里為他在《藝苑名人傳》留下了一席之地。[3]

瓦薩里給出的科西莫逝世時間為1521年,包括《大英百科全書》等的許多文獻中都採取此說。[4] 但後來有證據顯示其正確的逝世時間為1522年4月12日。[5]

逸聞

傳聞科西莫害怕打雷,還有恐火癥,因此從來不做飯,只依靠煮雞蛋為生。他在為他的作品準備材料時會順便準備50個煮雞蛋。[6] 他拒絕清理畫室,也不修剪自家果園裡果樹。因此瓦薩里評價他“相對人類而言更像是一匹野獸”。

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Piero_di_Cosimo

http://www.giacobbegiusti.com